5 Tapas 5: compilaciones del sello Bam Caruso

Varios - Cries from the Midnight Circus (Ladbroke Grove 1967-78)

Los compilados se volvieron obsoletos hoy en día. Esos discos que traían un tema de cada artista, o dos a lo sumo, ya no se ven, ya no salen, nadie los escucha. 

Error. 

A nivel masivo puede ser, pero eso acá nunca nos importó. Están las cajas, los box sets, de tres discos para arriba, el lujo asiático del coleccionista ávido, que te las comprás para escucharlas poco y nada pero sabés que ahí están, a modo de consulta. Como una enciclopedia en la biblioteca, lista para acudir a ella en tiempos de sequía, o falta de red inalámbrica. Cuando son temáticos es cuando son realmente valiosos y este CD doble es uno de ellos, Cries from the Midnight Circus, documenta la escena del barrio londinense Ladbroke Grove, el Palermo del Reino Unido, el Soho de la tierra de la lluvia eterna, uno de esos lugares en donde pasaba todo lo que tenía que pasar. Estaban los pintores, los dealers, los artesanos… y los músicos. ¡Y qué músicos!

Un vistazo por la lista de temas revela una escena idiosincrática al máximo, con puntos en común pero con unas personalidades arrolladoras, gente que convivía en cierta armonía con propuestas que tenían poco y nada que ver entre ellas. Para la época que cubre esta compilación, fines de los sesenta / gran parte de la década siguiente, el sueño hippie ya se había hecho pedazos. Los que quedaban eran los sobrevivientes, los descreídos, los que vivieron para contarla. Los Pretty Things por ejemplo, que no faltan en ningún recopilatorio, perdedores hermosos, no le vendieron un disco a nadie en su momento pero son una de las bandas más apreciadas, queridas y longevas que dio el viejo continente, le dan nombre a este rejunte con el temazo de Parachute. No faltan los agitadores, los propagandistas, los que siempre que podían hacer un escándalo lo hacían, los que giraban en torno a Mick Farren -algo así como un prócer de aquella escena- como los apestosos Deviants o los ultra rockeros Pink Fairies, que acá aparecen con su himno generacional “Do It”, más tarde versionado por Black Flag. Los Hawkwind eran reyes absolutos del vecindario y por eso hay dos temas; “Hurry On Sundown” y “Lord of Light”, de Hawkwind y Do Re Mi Fasol Latido, respectivamente. También aparecen sus amigotes y derivados como el poeta de ciencia a ficción Michael Moorcock y Robert Calvert como solista, haciendo “Ejection”, un temazo de su disco conceptual como solista Captain Lockheed and the Starfighters, del ’74. Por supuesto que el gran Ian Lemmy Kilmister dice “presente” y en dos facetas, con los psicodélicos Sam Gopal, con quienes grabó su primer LP y haciendo “Louie Louie”, con la banda que lo hizo inmortal. Otros que se prendían en todas eran los Edgar Broughton Band, representados acá por el brillante “Evening Over Rooftops”, un temazo enorme, original del tercer LP homónimo de la banda. Larry Wallis sale con “Police Car”, un tema que solo salió en single y que costaría unos cuantos billetes conseguir.

Para “tapados” hay de sobra en este doble, está Twink, baterista de los Pretty Things y Tomorrow (la banda de Steve Howe antes de Yes, que también aparecen acá), el gran Arthur Brown, los retorcidísimos High Tide, Junior’s Eyes y hasta The Action, otros que suelen aparecer en este tipo de discos. Como panorama es perfecto, abarcativo, muy escuchable y bien secuenciado, casi de manera cronológica. Encima las notas del librito las escribe el mítico periodista Nigel Cross. Para tener en cuenta.







Escuchar en Spotify.






Chequear también:
Varios - Electric Psychedelic Sitar Headswirlers, Vol. 4
The Misunderstood - Before the Dream Faded
Varios - Try a Little Sunshine: The British Psychedelic Sounds of 1969

CAN - The Empress and the Ukraine King

Me parece que para escuchar ciertas discografías precisás una vida. Siempre contengo la risotada cuando alguien me dice algo como "acá tengo toda la discografía de Nick Cave" o "me pasaron en un pendrive todo Pink Floyd". Inmediatamente sé que lo que va a conocer esa persona es... nada. Todo lo que viene fácil y "de arriba" no sirve. Simple, muy simple.

CAN. Me regalaron el primero cuando cumplí veinte años y no me gustó al principio, no le dí bola, no estaba listo para entrar a un universo nuevo. Después vinieron Tago Mago y Ege Bamyasi, aunque a mí el disco que siempre me volvió loco es Future Days, con esos susurros satánicos de Damo Suzuki.

Hace poco me llegó este y recién ayer pude escucharlo con atención, el mismo efecto de descubrimiento que ayer, la misma "pegada" en la nuca, la misma sensación que una banda única puede proveer. Esto es Can haciendo algo parecido a tema de rock convencional, relativamente parecido a lo que se hacía en esa época, con Malcom Mooney en voz, el primer cantante. Todo lo convencional que puede llegar a ser Can, vale aclarar.







Se puede escuchar online acá.

Encontrala originalmente en:
Un poco a modo de cierre de la etapa clásica de los germanos, antes de Soon Over Babaluma, aparece este compilado de rarezas armado por Holger Czukay, con tomas perdidas y experimentos varios. Dos años después de su aparición fue aumentado a un disco doble que se llamó Unlimited Edition y es el que se consigue en CD, remasterizado.
Limited Edition (1974)

Disco del Mes: David Crosby - If I Could Only Remember My Name

David Crosby
If I Could Only Remember My Name
1971








Atlantic

Jessica Pratt - Quiet Signs

“Sé que el mundo está cambiando, quemándose en las palabras salvajes, parece inexplicable, más que un destacado nacido del miedo, no voy a encontrar refugio acá, hay una cosa mal, sólo algunos elegidos. Necesito alma para seguir haciendo sonar el silbato, y falta mucho antes de que llegue mi futuro, hundido en arena una y otra vez.”

Con estas palabras definitivas empieza el tercer disco de Jessica Pratt, con “As the World Turns”, después de una breve introducción instrumental. Suena a manifiesto, a declaración de principios, a persona sensible viendo el mundo venirse abajo, sin saber del todo qué hacer, pero teniendo claro que sólo queda una opción; seguir haciendo, seguir probando, diciendo, haciéndose oir.

Es raro pero Jessica Pratt tuvo no pocas repercusiones de entrada, con su disco debut, su LP homónimo del 2012, ya con ese trabajo la comentaban en ciertas revistas. Era claro que la piba tenía personalidad y traía algo distinto a un mundo atiborrado de información, de cantantes y de gente que ya no quiere escuchar canciones nuevas. El hecho de que alguien de veintitantos se moleste en componer sus propias canciones, en forjar su propio camino ya es algo hoy en día. Y Jessica Pratt rebosa personalidad. Hace poco salió una nota en donde ella elegía discos, en un local enorme de California y sus elecciones no hacía más que hablar de alguien que está en su propio mundo. Mark Almond, Nina Simone y Scott Walker conviven sin problemas con Can, Destroyer y The Durutti Column en el mundo de Jessica Pratt, que parece que tiene cincuenta años y apenas llega a los treinta. Y no sólo de apariencia física hablamos. Su música no tiene edad, no pertenece al mundo actual, plantea un universo de elfos y duendes sin apelar a imágenes directas, sino más bien haciendo alusiones poéticas y metáforas universales.

La caja de herramientas que usa es más bien reducida, su guitarra arpegiada, su voz extrañísima y algún que otro acompañamiento de instrumentos de color, pianos, órgano, algún sintetizador y no mucho más. Sin embargo transmite y comunica un universo único, propio. Como toda la gran música de la que podríamos llamar era moderna, se nutre de un millón de fuentes para terminar sonando diferente. Quiet Signs es uno de los discos del año, definitivamente.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Marianne Faithfull - North Country Maid
Trees - The Garden of Jane Delawney
Jessica Pratt - On Your Own Love Again

Video de la Semana: The Stranglers - Golden Brown

"Nunca el ceño fruncido con el dorado marrón". Clásico absoluto y merecido. Los Stranglers y una supuesta oda a la heroína en tempo de vals. De La Folie, del '82.

Atrás Hay Truenos - Bronce

Sintetizadores que van entrando de a poco, colchones y capas de teclado, el sonido crece de a poco, llama la atención la calidad y las decisiones que se han tomado a la hora de grabar, el disco suena, suena fuerte, gordo, compacto. Ritmo de batería irregular, raro, rengo, perdido, Brian Eno, Spacemen 3, el kraut-rock alemán, la voz fantasmagórica… todo eso en apenas unos segundos. Así empieza “Bronce”, el primer tema y el que da título al tercer disco de Atrás Hay Truenos, con un torrente de referencias sonoras y una personalidad que se termina de definir hoy y para siempre.

La banda es de Neuquén, como cualquiera sabe, no es muy frecuente que una banda del Sur de Argentina llegue a oídos masivos, probablemente eso nunca suceda, pero ese es otro tema, los tipos se mudaron a Buenos Aires porque ahí es donde Dios tiene sus oficinas.

Capacidad de abstracción. Las letras de Bronce muestran una banda capaz de hacerlo, de irse, de volar un poco, poesía, cuelgue, más de una vez parece que las palabras obedecen más a una urgencia sonora que a un relato. De cualquier modo, quedan bien, complementan la música de una forma novedosa. ¡Qué disco Bronce! Todo lo que habían prometido con los dos primeros se hace realidad en este tercer larga duración. Si los dos primeros mostraban a una banda de guitarras queriendo ser una especie de Sonic Youth modernos, este marca un nuevo rumbo; acá no es tan fácil detectar las influencias y se puede decir que Atrás Hay Truenos hizo su primer disco grande, su primer clásico. En la época en que ya no hay discos clásicos, pero eso a nosotros no nos importa.

A veces suenan como Las Pelotas, como si la banda del Oeste no hubiese dejado de escuchar música actual hace siglos, “Río Negro”, “Encuentro”, son canciones sin fecha de vencimiento, pertenecen a nuestros tiempos, indudablemente, pero podrían haber sido hechas en la Escocia de fines de los setenta. Esto tiene personalidad, mucho carácter y eso vale su peso en oro.

Cuando una banda logra lo que suena en Bronce es porque los planetas se están alineando, lo que viene de ahora más no puede ser menos que auspicioso. A esperar se ha dicho.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Virus - Superficies de placer
Atrás Hay Truenos - Encanto
Slowdive - ídem [4to. LP - 2017]

5 Tapas 5: payasadas

Con: Mingus, Jimmy Campbell, Wall of Voodoo, Insane Clown Pose y Jumbo

Crowded House - Farewell to the World

Debe haber pocas personas en el mundo que no conocen temas de Crowded House. Muchos no saben que el tema es de ellos pero ese es otro asunto. Cualquier persona de entre veinticinco a sesenta años ha escuchado, y más de una vez, tres o cuatro temas de ellos. Si encima se tiene en cuenta el hecho de que la banda viene de Melbourne, Australia, el asunto es más sorprendente todavía. Los países del hemisferio norte siempre miraron con cierto desdeño a los oceánicos y recién en los últimos años esto se está revirtiendo.

De vuelta a la banda de los hermanos Finn, vale recordar que ellos ya tocaban en una banda excelente y hoy en día se podría decir “clásica”, nada menos que en Split Enz, banda de rock artista (¿o por qué no “autista”?) que hizo al menos cuatro discos esenciales, siendo True Colours un LP indispensable, el que tiene el primer gran hit de Neil Finn, “I Got You”, de 1980.

Es en Crowded House, cuyos miembros en realidad eran casi todos neozelandeses, cuando Neil Finn ya dominaba magistralmente el oficio de componer canciones. Canciones pop bien entendidas, con herencia beatle pero adecuadas a su momento histórico, sin fecha de vencimiento, con letras inteligentes, con una musicalidad envidiable y una simpleza solo aparente, ya que nunca falta el “chiste musical”, el acorde raro y el arreglo inesperado en los temas de ellos. Farewell to the World es, ni más ni menos, el clásico grandes éxitos en vivo, con alguna que otra sorpresa adjuntada para hacerlo un poco más vendible. Es doble así que no falta nada, están todos los hits (todos, sin excepción), hay alguna que otra rareza, temas olvidados de los discos clásicos y también de los más actuales. Como detalle vale mencionar que está grabado en la Ópera de Sydney, con un público que está claramente del lado de ellos, son uno más, se nota que están disfrutando y la banda también.

Si Crowded House ha formado parte de las listas de ciertas FMs edulcoradas para centros de ski y hoteles chetos no es culpa de ellos. El pop perfecto merece masividad absoluta… a pesar de que nadie sabe cómo se llama el cantante.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Escuchar también:
Split Enz - Second Thoughts
Crowded House - Woodface
Neil Finn - Dizzy Heights

Ryan Adams - This House Is Not for Sale

Siempre me pregunté por qué no es más conocido en Argentina. En USA y Europa es exitoso, se cansa de tocar en vivo y vender discos. Aunque quizás hoy en día se le haya pasado su época de oro como compositor de canciones, creo que todavía le quedan abajo del brazo dos o tres discos buenos.

¿Será porque tiene un disco con la bandera yanqui en la tapa? Gold, del 2001, discazo, por cierto. Esas cosas acá importan mucho y, de alguna forma, es entendible. En fin... se puede dejar pasar si la música es buena.

A pesar de que tengo seis o siete discos, siempre me costó encontrar una tema que realmente me vuelva loco de Ryan Adams, hay muchos buenos, siempre es consistente, no arriesga demasiado pero todo le sale más o menos bien. El otro día tuve la suerte de descubrir esta canción, que atesoraré por siempre. ¡Se agredece Mr. Adams!







Se puede ver una versión en vivo acá.

Encontrala originalmente en:
A principios del milenio tenía una especie de diarrea compositiva, cinco discos en menos de tres años, o algo por el estilo. Love Is Hell salió en dos partes, dos EPs a los que se les agregaron bonus tracks. Se puede conseguir también en un CD que trae los dos, la opción más "conveniente", se podría decir.
Love Is Hell, pt. 1 (2003)

5 Canciones 5: versiones de Atahualpa Yupanqui

Indiecito dormido
César Isella

Tiene el dudoso mérito de haber sido quien descubrió a Soledad, abriendo una nueva etapa en la historia de la música folclórica argentina, para bien o para mal. Casualmente con un tema que hablaba de Héctor Chavero (¿se acuerdan de "A Don Ata"?). Isella había estado en Los Fronterizos, fue clave en La Misa Criolla y sabía mucho de procesos de grabación y producción, su disco homenaje del '82 es lo más parecido a algo que se podría llamar Atahualpa Sinfónico.

Aparece originalmente en: Padre Atahualpa (1982)

Se puede descargar este disco entero acá

Piedra y camino
El Chango Nieto

El único disco de esta lista que tiene temas que no son de Yupanqui es este, cuya otra mitad son tangos de Homero Manzi ("El último organito", "Sur", etc.) Salteño de nacimiento y veterinario de profesión, es dueño de una voz única, delicada y fina pero también varonil y agreste. "Piedra y camino" ha sido versionado varias veces y es uno de los temas más famosos de Atahualpa, sin embargo en la voz de El Chango se convierte en otra cosa, merece una escucha atenta.

Aparece originalmente en: Interpreta a Atahualpa Yupanqui y Homero Manzi (1979)

Ver / oír en YouTube

Camino del indio
Alberto Cortez

Puede ser el disco más atípico y sorprendente de los cinco de esta lista. Otro que podría considerarse como un LP de versiones orquestales de Atahualpa, con arreglos a pura pompa, a cargo de Waldo de los Ríos. "Camino del indio" abre la cara A del LP con unas ideas sinfónicas que lo acercan al spaguetti-western de Ennio Morricone y la música de películas de la década del sesenta. Cortez tenía menos de treinta años cuando grabó estas canciones y aparece en la tapa con una guitarra acústica de doce cuerdas.

Aparece originalmente en: Canta a Atahualpa Yupanqui (1968)

Ver / oír en YouTube

Chacarera de las piedras
Los Chalchaleros

Amados y odiados casi en partes iguales, representan a cierto sector conservador y un poco rancio del folclore del hemisferio sur. Viendoló de alguna manera, representan la infinidad de contradicciones de un país eternamente dividido en clases. Lo que hacen lo hacen bien y han marcado a fuego un estilo, con innumerable cantidad de imitadores. La famosa "Chacarera de las piedras" suena cien por ciento a Los Chalchaleros.

Aparece originalmente en: Los Chalchaleros interprettan a Atahualpa Yupanqui (1973)

Ver / oír en YouTube

Zambita de los pobres
Mercedes Sosa

Inimitable La Negra, inmensa, todos los discos que grabó en la década del setenta son indispensables, únicos y aventureros; Cantata sudamericana, el LP homónimo del '76, El grito de la tierra y la lista sigue. En su disco de versiones de Atahualpa, en plena época de desaparición de personas, no esquiva el costado político y zurdo de los temas del maestro. Corajuda.

Aparece originalmente en: Mercedes Sosa interpreta Atahualpa Yupanqui (1977)

Ver / oír en YouTube

Video de la Semana: The Church - Song In Space

No me canso de ponderar las virtudes de The Church, una banda que está hace mucho, siguen en nivel muy aceptable y han hecho siempre discos de buenos para arriba. Cuando el mundo deje de mirar -y ponderar- siempre lo mismo (Zepp, Dylan, Stones, etc.) vamos a notar que en la bastardeada "era moderna" se han hecho cosas increíbles, a la altura de los grandes clásicos. Esta es de Forget Yourself, del 2004

Disco del Mes: Midway Still - Dial Square

Midway Still
Dial Square
1991










Roughneck Recording Company

Pretenders - ¡Viva el Amor!

Admirable lo de Chrissie Hynde. Está al frente de los Pretenders desde fines de los setenta, atravesó por absolutamente todo; éxito de críticas y ventas, bajón comercial, indiferencia, incluso la muerte por sobredosis de dos de los integrantes originales. Siempre con la frente alta, con unos temas de acero, invencibles al paso del tiempo, se puede decir que si no fuese mujer, los Pretenders serían una banda más valorada. El mundo es injusto, sí señores.

¡Viva el Amor! es el séptimo disco de estudio y es el que viene después de Last of the Independents, el que tenía “I’ll Stand By You”, el tema de Pretenders que todo el mundo conoce, uno de esos hits que se vuelven tan grandes que sus intérpretes terminan renegando de ellos, a pesar del envión económico que significan. 

Tiene cuatro temas que lo inmortalizan y lo diferencian del resto de la discografía, el primero bien distinto a todo es “Dragway 42”, raro, retorcido, el protagonista agoniza por su objeto de deseo que no queda del todo claro de qué se trata, en un tornado de guitarras y cuerdas, ella lleva adelante una melodía original que, hay que decirlo, entona como los dioses. Casi al final aparece “Samurai”, otra balada oscura y lasciva, Miss Hynde nunca tuvo pudor a la hora de mostrar su costado libidinoso y en este tema da rienda suelta a sus bajos instintos, el tema va creciendo de a poco, va mostrando los dientes y termina aferrándose al cuello, o a los pantalones en este caso. El solo de Adam Seymour, el guitarrista de turno, es de película porno, directamente. Sigue una versión de “Rabo de nube”, de Silvio Rodriguez nada menos, cantada en un precario español pero muestra que, a esta altura, no tenían nada que perder y podían hacer lo que querían. El tema del final es el tema del disco, la joya, la guinda de la torta, se llama “Biker” y está dedicada al juguete sexual de turno de Chrissie Hynde, que siempre tuvo una debilidad por los hombres en moto. Otro tema diferente, amenzante y tierno a la vez, una combinación inusual que sólo ella puede sacar adelante, hay guitarras, hay melodía, ideas, arreglos, cuerdas… todo lo que tiene que tener un gran tema de Pretenders.

El resto de las canciones no desentonan para nada, están dentro de lo que se puede esperar en un disco de ellos, con la pequeña salvedad de que las guitarras muerden un poco más que lo habitual, en un intento de acercarse al rock de garage que sonaba por todos lados a fines de la década del noventa, que es cuando apareció ¡Viva el amor! Para el libro gordo de Petete del rock los Pretenders son los dos o tres primeros discos, los que amamos a Chrissie Hynde, sabemos que siempre que entra al estudio a grabar hay que prestar atención. Siempre.







Escuchar entero en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Pretenders - Learning to Crawl
The Muffs - Blonder and Blonder
Chrissie Hynde - Stockholm

Pastoral - De Michele – Eurasquín

¿Por qué no son más famosos y reconocidos los Pastoral? ¿Por qué no entran en el canon del llamado “rock nacional” como sí están Nebbia, García o  Spinetta? En su momento eran exitosos, fueron uno de los primeros grupos en tocar fuera de Argentina, tienen un tema “emblema” que es “En el hospicio” y calidad tenían de sobra. ¿Será porque la carrera fue relativamente corta? A lo mejor la muerte prematura -en un accidente- de Alejandro De Michele no ayudó y el hecho de que eran una banda de neto corte “progresivo”, en fin… nunca se sabe.

El quinto y anteúltimo disco de Pastoral venía mal barajado de entrada, ya no se aguantaban más, De Michele venía de dos años de ostracismo absoluto y se juntaron a armar los temas en el más recóndito silencio, sin ningún tipo de anuncio. Quizás eran demasiado impecables para el rock and roll, pero era lo que se estilaba en aquel entonces, con Yes, Genesis y Pink Floyd como faro / influencia, en una época donde la información circulaba de otra forma, más lento, había menos acumulación.

De todas maneras, De Michele – Eurasquín es un triunfo. Sus diez temas son de una factura impecable, rebosan ideas y musicalidad a los cuatro vientos y tiene, como todo gran disco, cinco o seis canciones que podrían calificarse de memorables. “Cuando sientas que la farsa normal se te exige como vida, los mecenas de la escena irán siempre a tu alrededor”, cantan de manera angelical en “Mecenas de la farándula” y en “Lucifer asomó” dicen, al final del tema, lo siguiente: “No podré morir después de muerto, como soñé, alucinando alguna palabra yo mejor me voy de aquí”. Hablando claramente de un estado mental incómodo, melancólico, presagiando el fatídico final que estaba a la vuelta de la esquina. Otra influencia palpable es Crosby, Stills & Nash (con o sin Neil Young) como en el ochenta por ciento de la música argentina de primer mitad de los setenta, es muy evidente en “Enredándose en el aire”, tema firmado por Miguel Ángel Eurasquín, bien folkie, con el piano al frente y las armonías vocales de tres partes.

Después de este disco hubo un silencio enigmático, un parate, más tarde un álbum de De Michele con Gustavo Montesano, ex-Crucis, se llamó Merlín y salió en el ’80. Casi en seguida vendría el último de Pastoral, el olvidadísimo Generación, ya con un lavado de cara musical. Otra historia que queda pendiente.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Steely Dan - Can't Buy a Thrill
Pastoral - Humanos
Invisible - Durazno sangrando