Hey Colossus - In Black & Gold

Ya no hace falta aclarar que los discos importantes de la actualidad son aquellos que desafían cualquier tipo de categorización, los discos “de género” ya no van más, o si van acá no nos interesan. Estamos hablando de “importantes” en términos relativos, más bien de éxito artístico, porque de éxito de ventas o trascendencia y/o masividad mejor ni hablemos.

Hey Colossus es una banda inglesa, van por el octavo disco de estudio en poco más de diez años y este, In Black & Gold, es el último hasta ahora, aparecido a principios de este año. Lo primero que se escucha es “Hey, What’s Your Name?” que parece uno de esos temas lentos y perezosos del Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon, y es uno de los tantos atajos musicales engañosos que aparecen a lo largo de la placa. Esta no es una banda retro psicodélica, no es lo que en principio parece. Las cosas se ponen en su lugar en el segundo tema, en “Hold On” hay una mezcla de los Melvins, con doom metal y prog-rock de los setenta, mientras el cantante se retuerce con una de esas voces “feas a propósito” que tanto nos gustan y el tema se desarrolla, nos damos cuenta de que estamos ante algo que intenta una búsqueda, que va en pos de una fusión que parece funcionar. Los riffs sabbatheros del tema que da título harán las delicias del metalero que todos llevamos adentro, pero en vez de amasijarte el cerebro sin piedad, los tipos saben frenar y crear climas flotantes, etéreos. No te aburren con un machaque constante de guitarras fuertes, saben usar los contrastes.

Supieron evolucionar, se nota que han ampliado la paleta sonora y que han ido a buscar discos que antes no escuchaban. Si antes era una banda más fácil de etiquetar y más plana desde el punto vista sonoro, ahora pueden quedarse unos cuantos minutos en una zapada celestial al estilo Brian Eno y después arrancar con un riff malvado, de esos que se te adhieren a la médula espinal sin que se les mueva un pelo, sin que los cambios sean bruscos y suenen forzados.

Este es un disco de contrastes, contrastes bien usados y entendidos, luces y sombras, texturas y capas, negro y dorado, de esos que vale la pena escuchar con luces apagadas y prestando atención. Satisfacción garantizada.







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Cheap Trick - Surrender

Fué una tarde de domingo y tenía unos 20 años, levanté el disco de uno de los puestos del eternamente roñoso Parque Rivadavia, saco de la batea el disco en vivo At Budokan, sabía que era un clásico pero no lo había escuchado. Le digo al disquero 'Cheap Trick?' y me contesta 'si, no se por qué nunca fueron una banda muy popular acá, llevalo, no te vas a arrepentir'. Tuvo razón, me volví loco. Era una banda con guitarras fuertes y melodías gancheras. De ahí en más no paré y eso que los discos nunca fueron baratos ni fáciles de conseguir.

Podría elegir alguna otra canción un poco menos... obvia, pero con "Surrender" compré definitivamente. A pesar de que lo gasté y hoy en día me cuesta escucharlo, me parece un tema extrordinario. ¿Una cita? "cuando me desperté mamá y papá estaban fumando, manoseandosé, escuchando mis discos de KISS".





Video de la versión en vivo de At Budokan en YouTube.

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Hay muchos discos buenos y se pueden dividir en dos etapas, la primera y la del resurgimiento despues de algunos discos medio borrosos, que va desde Woke Up with a Monster -del '94- hasta la actualidad. De esa primer etapa es difícil competir con este disco INMENSO.
Heaven Tonight (1978)

Amon Düül II - Tanz Der Lemminge

Algunas preguntas surgen después de escuchar cualquiera de los tres primeros discos de Amon Düül II… ¿Cómo fue posible grabar una monstruosidad semejante? ¿Cómo fue que estos freaks convencieron a una compañía discográfica para que editaran un material como este? ¿Cómo salieron estas ideas? ¿Bajo la influencia de qué drogas? ¿Cómo hacían? Sabemos que vivían en comunidad en la Alemania de fines de los sesenta, que esa comunidad se separó en dos bandas diferentes y no mucho más. Tampoco es que todo ese bagaje de datos aporte mucho a la hora de la escucha, a decir verdad.

Pensar que estos pibes eran hijos -la mayoría- de gente que había tenido que ver con el nazismo, es reafirmar la identidad de una música y un género que hizo lo posible por renegar de un pasado de espanto, para reafirmar una nueva identidad nacional exenta de atrocidades. Cualquiera sea el contexto, la música del kraut-rock en general y la de Amon Düül II sobre todo, ha superado el test del paso del tiempo. Nunca se volvió a hacer música con este nivel de desfachatez y vuelvo creativo.

Tanz Der Lemminge, que podría traducirse como “la danza de los Lemmings”, es el tercer disco de estudio de la banda, apareció en formato doble en 1971, fue editado originalmente por el sello Liberty en Alemania, por United Artists en países como Estados Unidos, el resto de Europa (en Italia se llamó ‘viaje a través de un sueño’) y hasta Nueva Zelanda. Estaba dividido por cada una de sus cuatro caras; la primera “Syntelman’s March of the Roaring Seventies”, una suerte de suite demoníaca, un descenso a los infiernos mentales y musicales, con guitarras acústicas y eléctricas peleando por alterarte los sentidos, teclados y sintetizadores macabros y voces de ultratumba que más que cantar parecen invocar a quién sabe qué demonios. Más o menos lo mismo sucede con “Restless Skylight – Transistor-Child” y con, la tercera y última parte, “Chamsin’s Soundtrack”, cuya primer sección (“The Marilyn Monroe-Memorial Church”) ocupaba originalmente la totalidad de la cara tres del disco. Los últimos tres temas, relativamente cortos, que forman parte de esa supuesta banda sonora, se despegan un poco del resto de lo que veníamos escuchando, a modo de alivio para el oyente que soportó los ataques sonoros estoicamente. Tampoco son canciones que podrían sonar en cualquier FM, eso seguro.

Que el disco haya sido relativamente exitoso al momento de su aparición, nos habla a las claras de otros tiempos, de otra época. Por suerte para nosotros todavía podemos conseguirlo, en varios formatos.







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Gong
Angel's Egg: Radio Gnome Invisible, Part 2
1973








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Programa Especial nro. 35 en Fuera de la Nada

Rain Dogs, Mule Variations, Closing Time, Alice y Bad As Me. Seis canciones de cada disco. Treinta canciones de uno de los cantautores más grandes de los últimos cincuenta años.

Este viernes, a las 22hs.

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Tom Waits - Blue Valentine

Tom Waits cuenta siempre la misma historia, con ligeras variantes; es la del pobre tipo al que siempre lo cagan los que siempre cagan a todos, la puta recia que duerme con un osito de peluche abajo de la almohada, el perdedor que desperdicia su tiempo libre emborrachándose triste en el mismo bar de siempre. El tema es que el tipo hace que esas historias siempre suenen distintas. Es un enorme contador de historias.

En Blue Valentine, ese pobre tipo al que siempre lo cagan muere en el palco de un cine, con una bala en corazón mientras Cagney está en la pantalla (en “Romeo Is Bleeding”). La puta recia escribe desde la cárcel que le gustaría tener toda la plata que se gastó en falopa para comprarse un lote de autos usados y así manejar uno distinto cada día (“Christmas Card from a Hooker in Minneapolis”). El borrachín recibe cartas de amor todos los años de una ex novia (“Blue Valentines”). Las ideas generales no tienen nada de original, pero el asunto está en los detalles; “Hay una congregación oscura en la parada de colectivo, paraguas organizados en un triste bouquet” o “El fantasma de tu memoria es el pinchazo del beso”, esas cosas lo convierten en grande a Waits.

También tiene claro a qué recursos apelar; en este disco sus melodías tienden a ser los típicos arreglos bluseros, las canciones acompañadas al piano y su manera de cantar se reduce a un graznido flemático proveniente del fondo de su garganta. A pesar del evidente deterioro de su voz (sobre todo si lo comparás con sus dos primeros discos para el sello Asylum) y lo lúgubre de sus melodías, se las arregla para sonar interesante desde el punto de vista musical, balanceado, fino.

Blue Valentine puede no estar entre los imprescindibles de Tom Waits, pero es una perla única en una discografía repleta de grandes trabajos, probablemente el más jazzero (sin contar el aburrido Nighthawks at the Dinner) y también el más romántico, en el sentido quijotesco de la palabra. Encima tiene tres o cuatro canciones que están a la altura de cualquiera de sus grandes clásicos. ¿Te parece poco?







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(Looking for) The Heart of Saturday Night

Esto es Tom Waits buscándose a sí mismo, a medio camino entre los himnos desclasados de Springsteen y la ironía corrosiva de Randy Newman, en uno de esos extraños casos en que la canción no está basada en el piano, de su segundo LP para el sello Asylum. Es el tipo que cobró y tiene unos mangos para ir a buscar a su chica para llevarla a pasear. Pero la melancolía está ahí, a la vuelta de la esquina, nunca nada es color de rosa en el mundo de Mr. Waits. 

Aparece originalmente en: The Heart of Saturday Night (1974)

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On the Nickel

Para esta época estaba a punto de convertirse en una caricatura grotesca del personaje que se había encargado de crear, es sólo cuestión de mirar la tapa para darse cuenta. Y en esta balada super lacrimógena (aunque esa voz impide que clasifique en "edulcorada") sobre la gente que duerme en las calles y vive al día, se manda con una de sus letras más sentidas y elocuentes.

Aparece originalmente en: Heartattack and Vine (1980)

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16 Shells from a Thirty-Ought-Six

El primer disco después del gran cambio; conoce a Kethleen Brennan, que al día de hoy sigue siendo su mujer, ella le pasa los discos de Captain Beefheart y él se vuelve loco, en todo sentido. Se ponen a escribir juntos y de ahora en más casi todas sus canciones llevarían en los créditos la rúbrica Waits / Brennan. Acá aparecen las percusiones caseras, las disonancias magistralmente utilizadas y la voz más reventada que nunca. Un golpe de timón inesperado para una carrera que lo necesitaba con urgencia.

Aparece originalmente en: Swordfishtrombones (1983)

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Starving in the Belly of a Whale

Del disco Blood Money, que vendría a ser un disco gemelo con Alice, del mismo año, los dos destinados originalmente a obras de teatro (como Frank's Wild Years o The Black Rider), trabajos que continúan la línea de su última gran reinvención; el indispensable Mule Variations. En "Starving..." juega con la metáfora de la vida y sus complicaciones con el relato bíblico de Jonás y la ballena. ¿La música? Una marcha fúnebre destartalada, a punto de venirse abajo, llena de arreglos desquiciados. Excelente.

Aparece originalmente en: Blood Money (2002)

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Never Let Go

Para mediados de la década pasada había acumulado tantas canciones que no habían aparecido en discos, temas de bandas sonoras y rarezas varias que decide editar esta caja repleta de material anteriormente muy didícil de conseguir en algunos casos y cosas inhallables en otros. Menos mal que apareció esto porque es casi indispensable para los fanáticos. Esta joya había aparecido en la película American Heart, de Martin Bell, del '92 y es imposible escucharla sin conmoverse.

Aparece originalmente en: Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards (2006)

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Video de la Semana: Goat - Hide from the Sun

LSD, religiones paganas, satanismo, LSD, viajes y más LSD. Original de uno de los mejores discos del año pasado; Commune, de los suecos Goat.

The Church - Uninvited, Like the Clouds

Tuvieron practicamente todo, se los quiso poner a la altura de U2, cuando no tenían nada que ver con los irlandeses más alla de hacer música en el mismo momento. La pegaron muy fuerte con “Under the Milky Way”, del disco Starfish, a mediados de los ochenta, cuando grababan para el sello Arista. Después desaparecieron de los radares. Cuando dejaron de ser una banda intentando conformar a alguien más que a sí mismos y se dieron cuenta de que ese éxito mundial no iba a llegar nunca, terminaron de encontrar la personalidad e hicieron cosas extraordinarias, únicas. Música para levitar de la mano de Priest = Aura, dos discos medio gemelos como los infravalorados Hologram of Baal y Magician Among the Spirits, en donde supieron llevar a un estudio de grabación la enorme cantidad de drogas duras que estaban tomando. O el más reciente Further/Deeper, polémico por ser el primero sin el histórico guitarrista y ocasional cantante Marty Willson-Piper.

Pero hay pocos tan redondos y satisfactorios como Uninvited, Like the Clouds, del 2006. Acá había pasado no sólo agua bajo el puente; familias, drogas (otra vez, sí), carreras solistas, muchísima música escuchada e increíble capacidad de filtrado de influencias y mejoras desde el punto de vista técnico como instrumentistas. Es un disco que solo se podría haber hecho en ese entonces. Psicódelico y a la vez moderno, actual, con el mérito no menor de haber sido producido por los mismos miembros de The Church.

A esta altura no hace falta decir que Uninvited… no se parece a nada, es una evolución perfecta y depurada de lo que venían haciendo. Canciones atmosféricas, viajeras, extrañas, llenas de capas de teclados y guitarras, con la voz de Steve Kilbey siempre como elemento característico. Algunos se equivocan al meter a The Church dentro de la bolsa del prog-rock ¿Por qué? ¿Porque hay teclados y cuerdas? ¿Porque meten paisajes sonoros al estilo Brian Eno? Además siempre se las arreglan para meter dos o tres canciones hechas y derechas, con sus respectivos estribillos inolvidables, para poder sostener un disco como este. En esta caso serían “Unified Field”, la magnífica “Easy”, “Real Toggle Action” y “She'll Come Back for You Tomorrow”, cantada por Willson-Piper.

Tienen que pasar veinte años para que llegue el revival y todos digamos “sí… eran buenísimos”, aunque es poco probable que eso pase. Esperemos diez más y vemos.







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Peter Koppes - Love Era / Irony

Willie Nelson - $1000 Wedding

A Willie Nelson lo conocemos todos, de nombre sobre todo, porque los discos... bueno, te llevaría una década estudiar su discografía, plagada de álbumes valiosos. A diferencia de muchos de sus congéneres, el tipo se las arregló para seguir sonando relevante todavía hoy en día. ¿Cómo? Probablemente porque nunca dejó de escuchar música nueva.

Mi primer encuentro fué con Stardust, el disco de clásicos de jazz, después vino Red Headed Stranger y más tarde el modernísimo Teatro (editado por primera vez en LP este año) en donde no tenía nada que envidiarle a bandas más modernas como Giant Sand o Calexico.

Pero cuando conocí este disco y esta versión de Gram Parsons (cuyo original nunca me dijo demasiado) ahí pasó a otro pedestal, el viejo se deja envolver por guitarras distorsionadas y la canta con una pasión que no estaba ahí al principio. No estaría fuera de lugar en No Depression, de Uncle Tupelo.






Video de la versión original en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Willie escribe un par de canciones con Ryan Adams para este discazo relativamente contemporáneo, el resto del disco lo llena con unos covers buenísimos; Leonard Cohen, Paul Simon y hasta los Grateful Dead.
Songbird  (2006)

Calexico - Edge of the Sun

La banda de John Convertino y Joey Burns, dos tipos que aprendieron un par de trucos con una banda que nunca llegó a lograr la trascendencia que ellos sí consiguieron; Giant Sand. La orquesta de un solista que casi tendría que poner su nombre en la tapa, el señor Howie Gelb. Tienen una etiqueta algo molesta (rock "desértico") pero que sirve para describir la música que hacen, una rock árido y rutero, lento, aletargado, con una fascinación por la música de México, bien mezclado, sin caer en el pastiche.

También suelen meter cosas extravagantes, como para aumentar la idea de fusión, solían meter instrumentales con influencias de Miles Davis y la presencia del fantasma de Morricone revoloteando ahí, dejándose ver de a ratos. En un momento de la carrera del grupo, con un par de clásicos como The Black Light o Hot Rails en su haber, deciden dar un golpe de timón, en el 2006 editan Cruel Garden, un disco más cancionero, con menos lugar para la experimentación. Parecían querer sacarse de encima el estigma de banda aventurera, buscadora, para ir ganando adeptos. Lo que muchos llamarían “venderse”, digamos. Hoy el disco suena más que bien y si uno no conoce el trasfondo hasta lo podés acomodar con tus favoritos de aquellos años.

El flamante Edge of the Sun parece seguir con esa línea, un disco de canciones, que conserva el estilo de la banda pero afina un poco la puntería con el nivel de las canciones, más cuidado en la auto-edición, más trabajo componiendo. Tiene mucho que ver con Algiers, el disco anterior, uno con destino de clásico instantáneo. Tiene una cumbia hecha y derecha en “Cumbia de donde” y no faltan esos temazos para imaginarlo a Clint Eastwood cabalgando hacia el horizonte, como “Miles from the Sea” o “Bullets & Rocks”, cuyo título ya lo dice todo, aparece Sam Beam, el capo de Iron & Wine y viejo amigote de la banda. Otros invitados son Ámparo Sanchez (de Amparanoia) y la gran Neko Case, sumando sus poderosos pulmones a “Tapping On the Line”, otro de los grandes temas del disco.

En una época, dejar caer el nombre de Calexico en una reunión o entrevista, te otorgaba una especie de pasaporte inmediato a cierto lugar de pertenencia que hoy parece que ya no existe. Mejor para los que los disfrutamos sin importar lo que implican.



 



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Iron & Wine / Calexico - In the Reins
Giant Sand - Provisions
Calexico - Ancienne Belgique: Live in Brussels

Video de la Semana - Kelley Stoltz - Your Reverie

Super pedorro video oficial de Kelley Stoltz pero es impresionante la capacidad para escribir melodías indelebles que tiene este tipo.