M. Ward - A Wasteland Companion

Uno de los grandes cantautores de los últimos diez años. Sin embargo, en el apartado biográfico, lo de M. Ward tiene poco que ver con la extravagancia y los habituales detalles de color. Tocó en bandas de escasa -o ninguna- trascendencia hasta que decidió empezar como solista. Ahí es cuando tuvo un poco de suerte. Uno de sus discos cayó en manos de Howe Gelb, uno de los personajes más extraños y ermitaños de los últimos treinta años de la música popular. Gelb no es conocido por ser un tipo que anda en busca de las últimas tendencias, basta escuchar cualquier disco de Giant Sand para comprobarlo, pero lo que escuchó le gustó. Duet for Guitars #2 fue editado en Ow Om Recordings, el sello de Gelb y ahí la cosa empezó a cambiar, a crecer.

Hoy M. Ward es un músico de cierto prestigio, está lejos de ser un gran vendedor (¿quién lo es en estos días?) pero sus discos son consistentes y los comentan en las revistas que todavía se preocupan por bucear por debajo de lo que -supuestamente- todos tenemos que escuchar. Tiene un estilo propio que, sin ser novedoso, es reconocible y ya lleva grabados unos cuantos LP’s de estudio, sin preocuparse por hacer concesiones en pos de una masividad que quizás nunca llegue. A Wasteland Companion es su séptimo trabajo hasta la fecha y se nota que su fama viene en ascenso. Tiene una producción más nítida e incluye una lista de “semi-celebridades” que sería la envidia de un director de cine independiente. Está Steve Shelley de Sonic Youth, Zooey Deschanel (la actriz indie del momento y cantante de She & Him) y hasta el mismo Gelb en un par de canciones. Y lo mejor de todos es que ninguno de los invitados sobresale, en ningún momento este es uno de esos discos en que el invitado termina pasando al frente y opacando al tipo que pone su nombre en la tapa, todo lo contrario, casi pasan desapercibidos.

¿Y la música? Bueno, no se aparta demasiado de discos anteriores como Post-War o Transistor Radio, hay arreglos orquestales, sutiles, bien usados. Es un disco de folk moderno, en el amplio sentido del término, suena atemporal pero también es moderno a su manera. Se nota la influencia de Giant Sand en esa manera de hacer sonar todo como si estuviese improvisado pero, si prestás atención, todo está puesto en su lugar. Hay guiños al enorme Nick Drake, al blues clásico e incluso al Gene Clark solista más intimo y hasta una dedicatoria a Big Star en el primer tema, “Clean Slate (for Alex & El Goodoo)”.

A Matthew Stephen Ward (su verdadero nombre) su nuevo estatus de cantautor de culto no lo mareó; A Wasteland Companion es el testimonio evidente de que algunos saben bien que la fama… es puro cuento.








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La letra más berreta y simplona de Loggins y Messina (que igual es un temazo) sobre tener un hijo termina siendo parodiada con gran resultado en el primer "video oficial" de los Gimme Gimmes ¡Karaoke!

5 Canciones 5: Lou Reed

Intro / Sweet Jane

¡Traición! ¿Lou Reed a los estadios, pintarrajeado y amigote de Bowie? ¿Y haciendo una versión casi prog-rock de uno de los temas más queridos de Velvet Underground? Sí, también se la dejamos pasar a esta. ¿Por qué? Porque funciona y perfectamente. Recién a los tres minutos empieza el riff (¡y qué riff por Dios y Mefisto!) y el público estalla agradecido. Uno de esos discos en vivo que tiene casi tantos admiradores como detractores.

Aparece originalmente en: Rock 'n' Roll Animal (1974)

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She's My Best Friend

Tremendo temazo. Casi nunca lo tocó en vivo y no tiene una de esas letras provocativas tan características del estilo Lou Reed. Pero ostenta un laburo en las seis cuerdas impresionante, la intro de bajo es hermosa y tiene no uno sino dos estallidos guitarreros, de esos que te hacen esperar que llegue el momento y que el tema no termine nunca. Y pensar que este es el disco que viene inmediatamente después del insoportable Metal Machine Music.

Aparece originalmente en: Coney Island Baby (1976)

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Waves of Fear

Esta supuestamente habla de abstinencia. Puede ser que sea cierto. La desesperación y la ansiedad que transmite su manera de cantar acá es simplemente escalofriante. Es claro que se está esforzando por llegar a algunas de las notas, pero si esto no es blood on the tracks... "olas de miedo, me odio a mi mismo, ya se donde debo estar, debo estar en el infierno". El bajo de Fernando Saunders es una demostración de virtuosismo bien entendido. Este es uno de esos temas que sirven para convencer a algún incrédulo.

Aparece originalmente en: The Blue Mask (1982)

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Ride Into the Sun

Los fanáticos en serio de Velvet Underground no se bancan este disco. Saben que las versiones de descartes de su ex-banda, están mucho mejor en el disco VU, que salió recién en el '85. Pero esta no, esta no está ahí, así que la escuchás en su debut solista o no la escuchás de ninguna manera. Una melodía vocal bastante complicada y unos juegos de guitarras hacen de esta una verdadera joya oculta. 

Aparece originalmente en: Lou Reed (1972)

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Big Sky

Los que le perdieron la fé al viejo gruñón y los que no se bancaron la hora y pico que dura Ecstasy, se pierden una de las canciones enormes de su catálogo. El muy turro la pone justo al final del disco. A la hora de hacer esas listas que tanto amamos -y odiamos- esta hay que incluirla en el apartado "canciones que cuestionan a la religión organizada". Y debería estar muy arriba en el ranking. Lou Reed está viejo y más sabio, no condena, no juzga, no predica pero sabe que ya es tiempo de hacerse un par de preguntas. Si encima la canción tiene una buena melodía y una guitarras espectaculares... imposible no sacarse el sombrero. Temazo en serio.

Aparece originalmente en: Ecstasy (2000)

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Programa Especial nro. 8 en Fuera de la Nada: Luis Alberto Spinetta

Gaz Coombes - Here Come the Bombs

En Supergrass cometieron pecados imperdonables. Fueron famosos en seguida, apenas empezaron, con aquel video simpático y adolescente de “Alright” (“tenemos dientes lindos y limpios”). Además tuvieron el desenfado de no tomarse nada demasiado en serio, incluyendo a sí mismos.
Eso alejó a unos cuantos, a los que creen que el rock debe ser producto de almas en eterno penar, de espíritus torturados sufriendo por su arte.

Pero los que sí prestamos atención nos divertimos y mucho. Seguimos los discos uno por uno y además descubrimos facetas que no estaban en evidencia inmediata. Había lectura entre líneas, había amargura, melancolía y desesperación. Y había canciones, por supuesto. Muchas canciones brillantes, siempre fue la especialidad de Supergrass. Los discos tenían peso propio también; nada que ver el pop-punk alla Buzzcoks de I Should Coco con la elegancia de Road to Rouen o la psicodelia bien entendida del tercer disco homónimo, con el último coletazo de rabia que significó Diamond Hoo Ha. Se separaron y Gaz Coombes y Danny Goffey siguieron la fiesta con un disco de versiones.

¿Qué pasa con Gaz como solista? Bastante, por suerte. No esperen golpes de timón inesperados. Por empezar siempre que el frontman de una banda se hace solista es muy difícil evitar las comparaciones con sus trabajos anteriores. Pero tampoco es más de lo mismo, se puede decir que sigue en la línea pero con un sano espíritu de búsqueda.

Here Come the Bombs abunda en texturas, las canciones no son todos hits en potencia como solía pasar con Supergrass (chequear Life On Other Planets), acá gana en delicadeza y el verdadero valor de las canciones se revela a la tercera o cuarta escucha. Aunque a la primera te podés dar cuenta de que la cosa funciona, de que vale la pena. El disco arranca con “Bombs” que hace las veces de introducción, seguido por el tema más rabioso -y engañoso- del disco; “Hot Fruit” es bronca desatada, guitarras fuertes y amplificadores en once. Después se mete a jugar, a experimentar, escuchen lo que pasa en “Fanfare”, con una máquina de ritmos y unos teclados que hacen pensar en Mercury Rev, no hay guitarras prácticamente… ¡Y funciona! La canción crece, se desenvuelve y hasta tiene un clímax. Coombes aprendió, evolucionó. En “Break the Silence” hasta se anima a la pista de baile, en uno de esos temas que deberían ser el verdadero hit del verano, si el mundo no estuviese tan equivocado.

Algunos vamos a extrañar a Supergrass, una banda que nunca le prestó demasiada atención a las tendencias y se manejó siempre con una espontaneidad que no tenía nada de cálculo. Pero si Gaz Coombes sigue en esta senda por ahí podamos olvidarnos aunque sea un rato. Hasta la reunión dentro de un par de décadas, claro.







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Chequear también:
The Monkees - Head
Supergrass - In It for the Money
Gorillaz - Plastic Beach

5 Tapas 5: Bailando con el Sr. D.

Con: Coven, Uriah Heep, The Louvin' Brothers, Royal Trux y SNFU

Video de la Semana: Status Quo - Down Down

Descarado playback en Top of the Pops de uno de los grandes temas de un disco enorme de Status Quo, el magnifico On the Level.

Disco del Mes: La Patrulla Espacial - ídem

La Patrulla Espacial
ídem
2012










NASONI Records

Tom Verlaine - Flash Light

Es fácil: lo podés practicar mucho pero te va a costar mucho tocar parecido a Tom Verlaine. El tipo tiene un sonido propio, basado en sus limitaciones pero haciendo que se conviertan en virtudes. Rock ‘n’ roll… ¿No?

Flash Light es el quinto disco de estudio de Verlaine, alguien que jamás tuvo apuros de ningún tipo, su carrera solista empezó hace más de treinta años y ha hecho menos de diez discos, además de la reunión de Television en los noventa.

Pero escuchen el tono chillón de su instrumento en “Song” y fijensé si en algún lugar escucharon una guitarra sonando así. Encima factura buenas canciones, los temas están bien armados, pensados y arreglados. Trata de no repetirse como compositor y lo consigue. Una tarea bastante difícil si consideramos que, a pesar de todo, no dejan de ser canciones, con sus respectivas estructuras reconocibles, sus estrofas y sus estribillos. Sí, tranquilamente se puede decir que esto es una continuación del surco abierto por Marquee Moon, exactamente diez años antes que Flash Light. En “The Scientist Writes a Letter” combina su estilo de cantar (totalmente propio) con la elegancia pop del Brian Ferry de Avalon, mete teclados, solos y juega con un sonido expansivo, envolvente, nuevo. Un científico escribiendo una carta. En forma de canción, claro. Todos sabemos que la producción típica de los ochenta ha envejecido peor que un auto japonés de la misma década. Ese sonido de batería “acuático”, tan al frente, que ha arruinado miles de discos, en el caso de Verlaine termina jugando a favor. Escuchen “Bomb” con ese bajo a modo de latido y la guitarra delirando y retorciéndose atrás en la mezcla. O “At 4 A.M.”, lo más parecido a un hit de todo el disco.

Flash Light no tiene ese intercambio guitarrero fluído y marciano de los discos de Television, en donde Richard Lloyd le hacía poner los pies sobre la tierra a nuestro héroe de turno. ¿Eso es bueno o es malo? Después de escuchar Flash Light cada cual sacará sus propias conclusiones.







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Chequear también:
Tom Verlaine - Dreamtime
Richard Lloyd - Field of Fire
Tom Verlaine - Songs and Other Things

5 Canciones 5: Five Day Week Straw People, Tyrannosaurus Rex, Magazine, Wilco y Volebeats

Dust Is In My Eyes
The Five Day Week Straw People

Seguro que no es el único gran tema del único disco de Five Day Week Straw People. Tiene un atractivo raro, especial. Parece esos temas de Paul de la época de Magical Mystery Tour o del Álbum Blanco, bien pop y con el efecto del porro a la orden del día. Largo, colgado y con sonido a bostezo matinal. Esta misma gente sería después Andromeda, una banda de hard rock psicodélico que también vale la pena chequear. 

Aparece originalmente en: Five Day Week Straw People (1967)

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Should've Been In Love
Wilco

En el primer disco de Wilco, Jeff Tweedy ya era un compositor con todas las de la ley, después de compartir liderazgo con Jay Farrar en los fundamentales Uncle Tupelo. A.M. es el disco más "tradicional" de Wilco, pero en "Should've Been In Love" muestran a donde irían a parar más adelante, en Summerteeth e incluso Yankee Hotel Foxtrot. Grandes canciones sin demasiadas pretensiones, mucho oficio y letras reflexivas.

Aparece originalmente en: A.M. (1995)

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1000 Miles of Confusion
The Volebeats

Este tipo de temas, que solo tienen una guitarrita, tres acordes y un tipo con una melancolía casi suicida ya no le salen a nadie. A Matthew Smith sí. Y le salen muy bien. El mismo que compone la gran mayoría de las canciones de los geniales Outrageous Cherry por lo visto tiene tiempo para tener otro grupo. Encima es bueno para poner títulos. "La película se retrocede en blanco y negro en mi cabeza, ella era todo sonrisas... y mil millas de confusión". Capo. 

Aparece originalmente en: The Volebeats (2010)

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Cut-Out Shapes
Magazine

En el casi impenetrable Secondhand Daylight, el segundo disco de estudio de Magazine, aparece esta joya de post-punk gélido y claustrofóbico. Howard Devoto exorcizando demonios con una banda que trabaja sin red, sin miedo al vértigo, experimentando y corriendo los límites. ¡Qué manera de cantar! No tiene nada que envidiarle al todavía enojadísimo John Lydon post-Sex Pistols (el de PiL, claro). Roxy Music + Pink Floyd + krautrock alemán.

Aparece originalmente en: Secondhand Daylight (1979)

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Child Star
Tyrannosaurus Rex

Si lo conocés de la época de T. Rex, la del super-estrellato y la brillantina, te vas a llevar una sorpresa con esto. Algo así como Incredible String Band sin tanta habilidad técnica y con un nivel de "voladura" igual o mayor. Folk inglés sumergido en LSD. Como muestra nada mejor que un pedacito de la letra: "Ojos de montaña espiando afuera de su cabeza y sorbiendo té componiendo en su cama. Miles de manos trabajando en un musical antiguo". Marc Bolan en su período "hippie alucinado", antes de ser el emblema glam que todos conocemos.

Aparece originalmente en: My People Were Fair and Had Sky in Their Hair... But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968)

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Video de la Semana: Buffalo Tom - I'm Allowed

Temazo de Buffalo Tom.

Originalmente incluído en Big Red Letter Day, del '93. Mas 90's imposible.

5 Tapas 5: Comiquísimo

Con: The Steppes, Bloodrock, Electric Frankenstein, Commander Cody & His Lost Planet Airmen y Monomen

Wolf People - Steeple

Algunos datos orientativos antes de ir al grano:
• Steeple es el primer disco propiamente dicho, el anterior era una suerte de compilación de simples.
• La banda está liderada por Jack Sharp, que también toca la guitarra, compone, escribe las letras y canta.
• Salen por uno de los grandes sellos de lo que podríamos llamar Era Moderna: Jagjaguwar
• El disco apareció a fines del 2010 y fue bien recibido por prensa y público.

Con “Silbury Sands”, el tema con que empieza, las intenciones están más que claras; cuatro o cinco ideas bien acomodadas, una buena cantidad de riffs pesados, cambios de ritmo, atmósfera bien setentas y una voz que recuerda a Steve Windwood, a Jack Bruce y un poco a Robert Plant. Sigue “Tiny Circle” y… ¡sorpresa! ¡flauta dulce! ¿Jethro Tull? Sí, claramente. Un arreglo complicado, ritmo sincopado, la flauta que responde... es la banda de Ian Anderson pero sin las pretensiones que arruinaron algunos de los trabajos de la banda inglesa. Se ve que a algunos no les importa “quedar bien”. Todos sabemos que Jethro Tull en particular y el hard-rock progresivo en general es uno de los géneros más golpeados por cierta prensa tilinga. “Painted Cross” tiene que ver con esos temas de los Kinks hard-rockeros, esos que Ray Davies le dejaba cantar a su hermanito Dave, como “Rats” o “Mindless Child of Motherhood”, quitándoles la flema inglesa tan típica de esos discos como Lola… o Schoolboys in Disgrace.

Este muchacho parece estar completamente obsesionado con los discos de sus padres, eso también lo demuestra en “Morning Born”, que empieza lento y amenazante y desemboca en una orgía de riffs y arreglos de guitarra intrincados. Otro acierto. Acercándose al final está “Castle Keep”, el tema más largo de todo el LP, hipnótico, podría haber estado tranquilamente en Everybody Knows This is Nowhere, de hecho el registro vocal de Sharp tiene mucho que ver con el “quejido de abuela” de Neil Young. Cuando parece que todo se viene abajo, surge una nueva sección, con pinta de improvisada, en donde, sin salirse del acorde inicial, asciende vertiginosamente para después volver al motivo en donde había empezado. Temazo. Para terminar, dos temas unidos por título (y algo más); “Banks of Sweet Dundee (Partes 1 y 2)”. Acá asoma una raíz celta que no se había mostrado para nada en lo que va de Steeple. Voz doblada para lograr unos “auto-coros” terriblemente eficaces. Los que busquen novedades van a tener que ir a parar a otro lado, esto es rock clásico por donde se lo mire. Sin demasiadas vueltas de tuerca. Pero está tan bien hecho que uno no puede menos que alegrarse porque haya pibes de veintitantos todavía interesados por esta música, casi arqueológica hoy en día.

Wolf People no le va a cambiar la vida a nadie y Steeple mucho menos, pero si te gustan Traffic, Led Zeppelin o Savoy Brown y estás un poco harto de escuchar siempre los mismos discos, seguro que te van a dar una hora de placer auditivo.







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Chequear también:
Pentangle - Basket of Light
Sleepy Sun - Embrace
Wolf People - Tidings

Especial nro. 7 en Fuera de la Nada: Nuggets

Video de la Semana: The Beatles - I Need You

Estos pibes se las traen, les va a ir bien. Hablando en serio; hace unos cinco años que está este blog y nunca, jamás hubo un posteo de los Beatles, la banda más grande de todos los tiempos. Pero cualquiera que haya entrado se dará cuenta que el 80% de la música que aparece acá desciende de manera más o menos directa de ellos.

Si no te gustan o no conocés a los Beatles... estás en problemas. Así de simple.

Este es de la película (y también del disco) Help, una película mediocre, pero cada vez que aparecen ellos tocando... inventaron -también- el videoclip. Temazo de George.