Disco del Mes: Richie Havens - Richard P. Havens, 1983

Richie Havens
Richard P. Havens, 1983
1969










Verve Forecast Records

Arctic Monkeys - AM

Los Arctic Monkeys son una banda fácil de odiar. No hace falta decir que a los que escuchamos muchos discos y estamos hasta el cuello en este asunto, nos encanta odiar bandas. Y la verdad es que hay muchos motivos; todo el mundo sabe lo que cuesta empezar, arrancar, que te presten atención y que te pasen en las radios. Estos pibitos estaban por todos lados y eran anunciados como La Gran Cosa Nueva cuando ni siquiera habían sacado un disco. Fueron una de las primeras bandas en sacar partido del boom de Internet y YouTube en particular. Otros también los odian porque los escuchan las chicas, o sus hermanas menores, un argumento tan válido y roquero como cuando cierta gente les gritaba “putos” a los hippies por llevar el pelo largo.

Está de más decir que muchos de esos odiadores profesionales ni siquiera se tomaron el trabajo de escucharlos.

Una lástima porque son buenos, tocan bárbaro, cambian mucho de un disco al otro, tienen un cantante con personalidad y muchísima onda y encima son una de esas bandas que funcionan como termómetro de nuestros días, como cronistas de lo que pasa por la cabeza de la generación que representan, sin caer en las simplificaciones o en el bajón post-Valium que caracteriza a una gran parte de la música moderna/actual.

Después de haber hecho punk hiperquinético, canciones pop perfectas, rock pesadito medio a lo bestia (no muy creíble, ese último) de la mano del amigo Josh Homme, el capo de Queens of the Stone Age, ahora viene el turno del disco bailable de los Arctic Monkeys, como se podría caratular al flamante AM. No es tan así, como era de esperarse. Se puede decir que la pieza central del disco es “No. 1 Party Anthem”, que no tiene nada que ver con lo que su título sugiere, sino más bien lo contrario, es Alex Turner mirando a la pista vacía, dejando que la mente vaya a parar a lugares melancólicos y un poco tenebrosos. En medio de una melodía beatlesca, al estilo Harrison, más de uno se arrancaría varios pelos por sacar de la galera una canción como esta. También hay mucho groove y rastros evidentes de funk pero está muy lejos de la música idiotizante que parece ser la consigna o lo que se entiende como “música para bailar” en la mayoría de los lugares destinados para tal fin. Si vamos a bailar y va a sonar “Why’d You Only Call Me When You’re High?” será más que bienvenido pero es difícil que se convierta en un hit masivo a menos que lo enchastre algún DJ berreta, de esos que tanto abundan.

Hay falsettos, ritmos pegadizos, estribillos con gancho y mucha producción, pero AM está muy lejos de ser un disco pasatista, bolichero o como quieran llamarle. Sí es nocturno a más no poder, sexual, atractivo y sugerente. Rock ‘n’ roll, digamos.







Escuchar entero en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
T. Rex - Futuristic Dragon
Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare
The Last Shadow Puppets - The Age of Understatement

Programa Especial nro. 17 en Fuera de la Nada

"Hoy hace veinte años que el Sargento Pimienta le enseñó a tocar a la banda" cantaban los de Liverpool hace casi cincuenta años.

Vamos a parar a una época de grunge, brit-pop y guitarras, muchas guitarras, recordando los discos clave de ese año, los "tapados" y los que todos conocemos.


Escuchalo en radiopura.com

Fountains of Wayne - Radiation Vibe

Por alguna razón este tipo de música nunca termina de "pegar" en nuestro país. Quizás porque se valora mucho una autenticidad mal entendida, en donde hay que ser "duro" y callejero. A lo mejor porque acá si no tocás diez mil acordes no existís, idea que muchos músicos (que jamás escribieron una canción) han sabido reproducir.

Los Fountains of Wayne son descaradamente pop, no tienen ningún reparo en sonar acaramelados y saben perfectamente donde meter los ganchos necesarios para que un tema se te pegue para siempre. Son los que hicieron ese tema medio Nuggets para la película de Tom Hanks, Eso que tu haces y el estilo en sus discos viene por ese lado.

Este milagro de tres minutos y fracción es el encargado de abrir el primer LP, con unas estrofas medio raras, parece que va rengo, sin dirección, pero es todo un truco para que el estribillo te explote en la cara. ¿De qué va la letra? Ni la menor idea. No fue el primer disco que tuve de ellos, ese "honor" le va al fantástico Utopia Parkway, de cuando todavía se conseguían cosas usadas a precios medio ridículos, uno de los grandes discos de la década del noventa. "Radiation Vibe", con su producción de bajo costo -y perfil- es uno de mis temas favoritos de los neoyorquinos.





Se puede escuchar en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Para explicarle a tu amigo medio sordo qué es el power pop de los noventa, que no es lo mismo que el original de fines de los setenta, pero que no tiene nada que envidiarle.
Fountains of Wayne (1996)

5 Canciones 5: Velvet Opera, The Groundhogs, OMD, Screaming Trees y Son Volt

Standing On the Edge
Screaming Trees

Los Screaming Trees mostrando sus influencias más retorcidas y drogonas, la música californiana tóxica de fines de los sesenta, como unos Seeds o The Chocolate Watchband menos amigables, más malvados. Mark Lanegan era un pibito acá pero ya tenía la voz y la personalidad muy bien perfilados. En ningún momento suena a pastiche, esto es apropiación cien por ciento. Está en Clairvoyance, el primer LP de la banda, cuando estaban en el sello SST y es bastante difícil de conseguir. Pero vale la pena, realmente. 

Aparece originalmente en: Clairvoyance (1986)

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Raise the Light
Velvet Opera

Una voz líder de esas que conmueven, un poco al estilo Steve Marriott, con un teclado hammond, son los encargados de introducir esta joya del segundo de Velvet Opera, a la altura de cualquier tema de los Small Faces o de Traffic. Tiene un interludio con un solo de guitarra española bien cortito que es una delicia. El cantante es un verdadero soldado del under británico, Paul Brett, que en breve formaría una de las grandes bandas de culto de aquellos años iniciáticos; Paul Brett's Sage. También en este disco hay una excelente versión de "Eleanor Rigby".

Aparece originalmente en: Ride a Hustler's Dream (1969)

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Joan of Arc
Orchestral Manoeuvres In the Dark

Si tenés que mostrarle a un amigo de qué va OMD, con este tema tenés una buena manera de aproximarte. Por lo menos a la faceta "escritores de hits" del dúo inglés. La voz apasionada de Andy McCluskey y los infinitos colchones de sintetizadores de Paul Humphreys te hacen pedir por favor que llegue ese estribillo, que sabés que va a ser mortal. En el mismo disco, inmediatamente después aparece el mismo tema, con el título algo cambiado, que te sirve para demostrar la otra cara de la banda; más experimental, volada y kraut-rockera.

Aparece originalmente en: Architecture & Morality (1981)

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Cherry Red
The Groundhogs

A medio camino entre los Who más pesados, la tonelada de riffs del Led Zeppelin de la era de oro y anticipando en casi veinte años al ataque sónico-guitarrero de Sonic Youth, "Cherry Red" es la bomba con que empezaba el lado "B" de Split, uno de los discos clásicos de esta institución liderada por el incansable Tony McPhee. Estribillo cantado en falsetto, en medio de una tormenta de redobles y power chords, cuesta creer que todo este ruido venga de apenas tres instrumentos. Una obra maestra adentro de un disco que merece una segunda chance.

Aparece originalmente en: Split (1971)

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Angel of the Blues
Son Volt

El amigo Jay Farrar sigue porfiando, después de más de veinte años y se sigue calzando un trajecito que no por pesado deja de quedarle cómodo; el de Gram Parsons. En Honky Tonk se lo escucha más apegado al country-rock que nunca y en "Angel of the Blues", particularmente, escribe una de esas baladas para llorar a moco tendido, en el bar, acodado a la barra, cuando están por cerrar y la melancolía se vuelve casi insoportable. Gran tema, en serio.

Aparece originalmente en: Honky Tonk (2013)

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Video de la Semana: Neko Case - Night Still Comes

La princesa del alt-country Neko Case tiene disco nuevo. El título es larguísimo; The Worse Things Get, The Harder I Fight, the Harder I Fight, the More I Love You. Sería "mientras peor se ponen las cosas, más duro lucho, mientras más duro lucho, es más lo que te amo".

O algo así...

(Haciendo click acá lo tenés con buena calidad de sonido)

Stiff Little Fingers - Go for It

Si no te ponés a bailar, o al menos a mover un poco la patita, con el cover de Bunny Wailer, el tema con que empieza Go for It, es muy probable que estés necesitando una transfusión de sangre. Es que la banda punk irlandesa, los liderados por Jake “Garganta con Arena” Burns, eran de los pocos que podían versionar (y tocar) reggae con cierto nivel de decencia. Ya lo habían hecho en el primer disco, con una versión enorme de “Johnny Was”, de Marley y acá, a la altura del tercer LP, repiten el truco y se nota que cambiaron, que perdieron fuego y rabia adolescente pero que ganaron como músicos, como arregladores y, en el caso de Burns, como compositor de canciones.

Acá hay más variedad ¿Qué es el tema que dá título? ¿una especie de batucada punk rocker? Lo que sea que es… funciona y sin problemas. Hay un rockabilly de esos que tan bien les salían a los Clash, se llama “Gate 49” y es otro de los grandes temas de Go for It, corto efectivo, bien tocado y cantado con mucha onda.
Uno de los más emotivos es “Hits and Misses”, con una melodía muy ganchera dice “No estoy hablando de un psycho-killer, Sonny, no se trata de uno de esos. Podrías ser vos, podría ser yo, es alguien que todos conocemos”, hablando de tipos golpeadores con la altura y delicadeza que el tema requiere. Otro hallazgo. En seguida viene otro de los picos de emotividad del disco, “Kicking Up a Racket”, que sería algo así como “hacer mucho ruido” y cuenta su propia historia, la de un pibito de Belfast creciendo en un ambiente hostil, escuchando la música que sus padres odian, en definitiva; la misma historia de siempre, pero en el marco de un temazo para escuchar a todo volumen.

A pesar de que el cover de Bunny Wailer no está tocado en clave reggae, no faltan los ritmos jamaiquinos casi puros en el tercero de los Fingers, está “Silver Lining” y, el que quizás sea el más logrado, que se llama “The Only One”, con una atmósfera medio oscura y un clima general muy parecido al gran “Guns of Brixton”, de los Clash de London Calling. La letra es una descarga de frustración de esas que conmueven, no queda del todo claro de qué habla, pero es un himno al descontento al que no le faltan luces al final del túnel; “te hacen sentir solitario pero sabés que tenés con quien contar”.

En la edición en CD hay dos perlitas que vienen bárbaro para evitar el trabajo arqueológico que habría que tomarse para conseguir el simple con “Back to Front”, otro de esos manifiestos anti-violencia que parecían ser la marca registrada de Stiff Little Fingers. Y al final, a modo de broche de oro, una versión en vivo de “Doesn’t Make It All Right” de los Specials, una banda con la que compartían ideología.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Stiff Little Fingers - Nobody's Heroes
Stiff Little Fingers - Tinderbox
Stiff Little Fingers - Guitar and Drum

5 Tapas 5: Nektar

Video de la Semana: The Jazz Butcher - The Jazz Butcher Meets Count Dracula

Gran "video" de la primera época de la banda de Pat Fish, más recordado como "El Carnicero del Jazz" (The Jazz Butcher), más cerca de The Damned que de lo que después sería el sonido más definido de la banda. Notable parecido a ciertos temas de Sumo, incluyendo el solo de saxo de cartón.

Este tema aparece en The Gift of Music, del '84.

(Haciendo click acá lo tenés con buena calidad de sonido)

Disco del Mes: Grand Funk - All the Girls in the World Beware!!!

Grand Funk
All the Girls in the World Beware!!!
1974










Capitol Records

Humble Pie - Town and Country

Prácticamente todos conocemos a Humble Pie, a al menos los hemos sentido nombrar, medio a la pasada, siempre relacionados con los Stones, los Faces, los festivales al aire libre y cierto rock and roll cuadrado y básico, medio boogie, de temas como “30 Days in a Hole” o “I Don’t Need No Doctor”. Pero esta, la primera etapa, de los dos primeros discos para el sello Inmediate de Andrew Loog Oldham, es otra historia, diferente.

El corazón de la banda lo componen Steve Marriott, ex-Small Faces y Peter Frampton, ex-The Herd y número fijo en las radios de rock adulto (y adulterado) en los siguientes años. Pero no nos adelantemos ni dejemos que el prejuicio se ponga alerta. Si los conocés del super clásico Smokin’ o el muy famoso Live at the Fillmore te vas a llevar una sorpresa, muy grata por cierto. En Town and Country es otra banda, otro estilo, hay veriedad, sobra calidad y en las interpretaciones sobra buen gusto. Ya “Take Me Back” el tema que da comienzo al LP marca la pauta; formato semi-acústico, atmósfera campestre, una voz soulera que es una delicia, percusión en vez de batería completa… empezamos bien. La primera maravilla sonora no se hace esperar mucho, llega de la mano de “The Light of Love”, en donde Marriott se da el gusto de rasgar una cítara, en una canción que bien podría haber formado parte de los discos de los Bee Gees de esta época, de Odessa o Trafalgar, con unas armonías vocales muy cuidadas. Frampton se luce con un solo de guitarra acústica corto y efectivo. El estribillo va a parar a otra parte, un temazo. Suena “Cold Lady” y te das cuenta de que, a pesar de que este no es un disco muy famoso, no debe haber pasado desapercibido para los músicos, esto es Traffic de John Barleycorn Must Die, es lo que hizo Weller cuando se dejó de joder con Style Council y volvió a poner el foco en el rock de guitarras, Wild Wood, Stanley Road, etcétera. En “Down Home Again” se puede vislumbrar el sonido de la banda que estaba a la vuelta de la esquina y por el que serían recordados y amados por muchos a lo largo y ancho del mundo. ¿Y qué tal una belleza country bien británica? Tenés “Every Mother’s Son”, ideal para mostrarle a ese amigo fan de Led Zeppelin de dónde viene lo que hacía Jimmy Page cada vez que desenchufaba la Les Paul. ¿Una yapa? Una preciosa versión de una canción que ya era una hermosura; “Heartbeat” de Buddy Holly.

Cuando los Humble Pie volvieron de gira de Estados Unidos se enteraron de que Inmediate había quebrado y eso explica una parte del fracaso -comercial- de Town and Country. Inmerecido. 







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
The Band - Music from Big Pink
Humble Pie - As Safe as Yesterday
Savoy Brown - A Step Further

Manal - Jugo de tomate frío

Una que sepamos todos. Otra de esas que se podrían agrupar dentro del inmenso grupo "nosotros contra ellos", la sociedad "careta" en oposición al músico bohemio, que cree que no está dentro del sistema.

La música es, dentro de todo, bastante normal y más si la comparamos con otros temas de la banda como "Porque hoy nací" o el "Blues de la amenaza nocturna". Vendría a ser una traducción de Cream, con uno de los riffs más imitados (y mal tocados por aficionados) del rock vernáculo, en el molde de "Sunshine of Your Love" o "Tales of Brave Ulysses". En la letra está la papa.

Mi parte favorita es cuando dice "si querés inmortalizarte... como héroe, asesino o semi-dios". ¿Porqué elije justo esas tres opciones? Opciones totalmente distintas pero que también pueden ser complementarias. ¿Lo habrá meditado mucho a eso? ¿O salió de un plumazo de inspiración divina?





Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El debut, el disco de la bomba en la tapa, para encontrarlo en buen estado en LP vas a tener que patear muchas cuadras y pelar una buena suma. Sino lo tenés a unos pocos pesitos en cualquier "shopping de la música", en CD, en una edición que no está mal.
Manal (1970)

Julian Cope - 20 Mothers

Cualquiera que haya estado leyendo estas páginas sabrá que Julian H. Cope, el anticuario moderno, es poco menos que un Dios pagano en nuestra religión politeísta. Por eso no vamos a extendernos demasiado con datos biográficos o intentar ubicar al Archi-Druida en ninguna línea de tiempo ni nada que se le parezca.

Sí vamos a hablar de uno de sus grandes discos, en una carrera llena de obras cumbres, 20 Mothers, del ’95.

¿Quién hubiese pensado que a Cope le importaba la familia? Pero ese parece ser el concepto unificador destrás de las canciones, incluso en el librito que acompaña la edición en CD y LP, le da rienda suelta a sus ideas, citando frases de gente tan diferente como Yoko Ono, Wayne Kramer o Carl Jung. Aproximadamente en la época de Jehovahkill, empezó a llenar las notas internas de los discos con reflexiones, citas y explicaciones tan delirantes como entretenidas, obligando casi a tener los discos en formato físico.Lo primero que llama la atención en 20 Mothers es la producción, ya en “Wheelbarrow Man”, una canción dedicada a su hermano, se escuchan ruiditos y detalles que son una delicia auditiva y eso es una constante a lo largo del disco, en el que no faltan los experimentos y las excentricidades. Hay gemas inmediatas como “Try, Try, Try”, quizás el último hit de Mr. Cope, con ese video memorable en el que aparecía portando orgulloso su remera de Neu! (recordamos: esto era a mediados de los noventa). Hay cosas pop simpáticas como “I Wandered Lonely as a Cloud” o “Stone Circles ‘n’ You”, que salen adelante, sobre todo, por el hecho de que las canta él y no otro.

No faltan los himnos, esos que tan bien le salían y a los que parece resistirse últimamente, uno es “Queen/Mother” con un base bien pensada -y pesada- o “Highway to the Sun”, un temazo por donde se lo mire. Como 20 Mothers es un disco doble, monolítico, hay lugar para todo y la convivencia es pacífica, incluso el folk pagano de “1995” (según su propia definición) viene casi pegado a una canción de cuna con guitarra y voz. También hay un euro-pop tan ridículo como efectivo (“como el osito Pooh voy a trepar hasta tu miel”), si Cope iba a competir con Pet Shop Boys lo iba a hacer a su modo, parece querer decir.

No vale la pena comentar todas las canciones de un disco doble, sería realmente aburrido pero vale decir que varios temas destacables no fueron siquiera mencionados, 20 Mothers es así, un disco aventurero, que se atreve prácticamente a todo y que casi siempre sale bien parado. Como Julian Cope, digamos.                 

Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Julian Cope - Skellington
Julian Cope - Droolian
Julian Cope - Citizen Cain'd

Video de la Semana: Tom Petty and the Heartbreakers - Don't Come Around Here No More

Clásico. Tom Petty bate el record en hacer el sombrerero loco más inexpresivo de todos los que se han hecho (y no son pocos). Bien los Heartbreakers, se sirven una masita y hasta hacen algún que otro chiste.

Este tema aparece en el infra valorado Southern Accents, del '85.

(Haciendo click acá lo tenés con buena calidad de sonido)

Programa Especial nro. 16 en Fuera de la Nada

Bueno... son los Ramones, no hay mucho para decir que no hayamos dicho mil veces en este blog. Que va a ser este viernes a las diez de la noche, que vamos a tratar de hacerlo lo mejor posible, a la altura del amor infinito que merecen.


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