Disco del Mes: Dionne Warwick - The Windows of the World

Dionne Warwick
The Windows of the World
1967










Scepter

Video de la Semana: Goat - Dreambuilding

Otros que vienen de Suecia pero SIN amor, con malas vibras, drogas fuertes y una propuesta musical interesantísima.

First Aid Kit - Stay Gold

Hacerse preguntas sobre la imposibilidad de detener el paso del tiempo, el significado de las relaciones humanas, el cuestionamiento de los afectos y las cuestiones que enriquecen y destruyen puede sonar falso en gente que apenas llega a los veinte años. En manos de las hermanas Söderberg suena creíble y hasta dan el clavo en un puñado de asuntos existenciales que pueden sorprender. Eso sucede en Stay Gold, el disco nuevo del dúo formado por Johanna y Klara, más conocido como First Aid Kit, que podría traducirse como “botiquín de primeros auxilios”.

Es el tercer LP de estudio de este dúo oriundo de Suecia y, a nivel lírico, el nombre no podría haber estado mejor puesto; son reflexiones de cariño, para las almas que se hacen preguntas, por supuesto, no para aquellas que prefieren anestesiarse con horas muertas, cambiando de canales sin nada para ver.

También se dan el lujo de pararse en un lugar, de tomar una posición, cuando en “Waitress Song” repiten aquel viejo mantra de que “las chicas sólo quieren divertirse” ellas, claramente, no están dentro de ese grupo, porque en seguida aclaran que “nosotros, el resto, apenas si sabemos quiénes somos”, en un claro “nosotros vs. ellos”. ¿Y de qué va la música? Por suerte hay de qué hablar al respecto. “Heaven Knows” (otro título existencialista), uno de los temas más poderosos del disco, es una extraña mezcla entre los Pogues y la música celta que deben haber escuchado desde que eran niñas, redondeado y envuelto en un paquete de folk-rock interesante, algo que bien podría venir de la relectura del género que hacen los Fleet Foxes y su millar de imitadores. El elemento localista dice presente, si bien no es un disco para montar un barco vikingo y redescubrir Groenlandia, en la mayoría de las composiciones hay elementos que dejan claro que no es un disco que se podría haber hecho en Estados Unidos, Africa o el sudeste asiático. Hay un sabor escandinavo manejado con conocimiento de causa.

Si bien lo de First Aid Kit no es revolucionario, tampoco pretende serlo, sale ileso en el apartado credibilidad, algo, que hoy en día, es condición para sacar adelante un disco moderno, con todo lo que implica la palabra, en pleno siglo veintiuno.







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First Aid Kit - The Lion's Roar

Green Day - Stuart and the Ave.

Green Day siempre tuvo esa pátina de desprestigio, de banda berreta, adolescente, que no estaba bien que te guste. ¡Al diablo! Al menos en los primeros discos (hasta Warning! inclusive) eran imbatibles. Después se pusieron serios, conceptuales y ambiciosos y para mi gusto todo eso iba en contra de todo lo que representaban.

"Stuart and the Ave." estaba en el disco que vino después del exitosísimo Dookie y... ¡Qué difícil seguir un disco tan vendido y comentado! Ellos la hicieron simple y sólo se dedicaron a perfeccionar la fórmula; power pop (para mí nunca fueron una banda punk) poderoso, tocado con mucha fuerza y grabado con toda la fidelidad posible, con muchísimo gancho y era algo que parecía sencillo pero hacerlo bien, como lo hacían ellos, no era tan simple.








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Si Dookie tenía tres canciones tremendas y un buen puñado de rellenos, Insomniac no tenía esos hits tan inmediatos pero tenía menos fillers. Un disco extremadamente infravalorado.
Insomniac  (1995)

Big Star - 3rd

La historia de Big Star es casi tan trágica como la de Badfinger y vale la pena conocerla, al menos de soslayo, para quien escucha estas canciones y quiere conocer el originen de la tristeza, la melancolía casi suicida del tercer opus de la legendaria banda de Memphis.

Chris Bell, el otro compositor de la banda, ya no estaba para esta altura y Alex Chilton grabó el disco con la ayuda de Jody Stephens y el productor Jim Dickinson. Chilton había sido un niño prodigio, sin haber salido de la adolescencia, ya cantaba como un adulto y era una estrella al frente de los efímeros Box Tops. Siempre había tenido que responder a ciertas presiones, tanto de ejecutivos de discográficas, productores en busca de éxitos de Billboard y compañeros de banda con caprichos. En 3rd dá rienda suelta a sus indulgencias y anticipa los vaivenes y desplantes de su carrera solista. Parte del éxito (artístico, claro) de 3rd se debe a Dickinson, que lo dejó hacer todo lo que quiso.

Las canciones del disco están teñidas por una pátina de tristeza ineludible, Chilton se metía todo tipo de drogas para esta época, su genio estaba a varios años de ser reconocido y la falta de éxito comercial lo atormentaba. A pesar de que hay algunas canciones que tienen que ver con el power pop patentado de los dos primeros álbumes (“Kizza Me”, “Jesus Christ”, “O, Dana”) la sorpresa viene de la mano de las baladas. Que tampoco son baladas en realidad. Es cuestión de escuchar “Big Black Car” para sumergirse en un universo de canciones al borde del desbarranco emocional, “nada puede herirme, pero no va a durar” canta Chilton, con un acompañamiento mínimo. Algo parecido pasa en “Holocaust”, otra a corazón abierto. Cuando prestás la atención necesaria, encontrás unos arreglos que son oír para creer; un cello que entra y sale, una guitarra podrida que apenas se escucha. “Stroke It Noel”, “For You”, “Nightime”… forman una colección que demuestra a las claras que del dolor, el desamparo y la soledad puede surgir la inspiración. Incluso en los temas rápidos, más convencionales, se nota que algo no está bien, en “You Can’t Have Me” o incluso en “Thank You Friends”. Hacer una versión de Velvet Underground ("Femme Fatale") hoy en día no tiene demasiado mérito -a nivel antropológico- pero hacerla en el ’74, cuando se grabó este disco, era un acto de hidalguía, Chilton se encarga de ponerle algo que la original no tenía, la del disco de la banana en la tapa.

Las grabaciones quedaron archivadas durante casi cuatro años (solo se hicieron algunas copias promocionales) porque ningún sello quería editar un disco que no iba a comprar nadie en aquel entonces. Después, cuando se reeditaron los dos primeros y la leyenda de Big Star empezó a crecer de a poco, salió. A pesar de que los críticos lo amaron, el público le dio la espalda. Pero el culto iba a creciendo... lentamente. El tiempo siempre dá la razón.








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Programa Especial nro. 28 en Fuera de la Nada

The Rutles - ídem [1er. LP - 1977]

Ni siquiera los Beatles son sagrados. Eso dijo Paul Westerberg y le puso Let It Be al cuarto disco de los Replacements. Eso mismo deben haber pensado los Monty Python cuando hicieron el falso documental All You Need Is Cash, en el que parodiaban la vida y obra del cuarteto de Liverpool.

Para el film se hicieron canciones y muy buenas. El que estuvo a cargo de las composiciones fue Neil Innes, famoso por haber estado en la Bonzo Dog Doo-Dah Band al lado del mismísimo Viv Stanshall, otra leyenda de la música medio en joda / medio en serio. Innes también actúa haciendo de Lennon (Ron Nasty en la película) pero el que se lleva las palmas es Eric Idle, al menos en cuanto a payasadas y caras de pelotudo.

¿De qué va la música de los Rutles? Muy simple; cada una de las canciones parodia (¿o en realidad homenajean?) a los Beatles en las diferentes encarnaciones de la legendaria historia del grupo. Así es como “Help” se transforme en “Ouch!” y la música, sin ser igual, se basa prácticamente en el pedido de socorro velado que había cantado Lennon en el ’65. Para los que son fanáticos es una delicia, algunas canciones son más difíciles de detectar, de saber de dónde vienen, aún así los títulos y las letras son geniales. “Blue Suede Schubert” podría ser “Roll Over Beethoven” pero, a pesar de tener el mismo estilo (rock and roll alla Chuck Berry) se tomaron el trabajo de pensarle un estribillo, de armar armonías vocales, de jugar a ser los Beatles aunque sea por un momento. Es claro que se divirtieron mucho haciendo esto. Algunas de las gastadas ofendieron a los acérrimos, como “Number One”, cuya letra relataba la ansiedad por “pegarla” en los Estados Unidos, pero incluso George Harrison, eterno fan de los Python, financió la película y tiene un cameo como periodista. También aparecen celebridades de la talla de Paul Simon y un Jagger que apenas se aguanta la risa, contando la falsa historia de ascenso y caída de la banda.

Los temas que destacan son los que corresponden a la etapa de Rubber Soul para adelante, “Double Back Alley” (con obvia referencia a “Penny Lane”) es una canción perfecta y no tiene mucho que ver con ninguna de las originales de los Beatles. “Cheese and Onion” es una joya de rock psicodélico que bien podría haber estado en Yellow Submarine, incluso es utilizada para musicalizar la logradísima parodia a la única película de animación que hicieron y que todos conocemos. “Piggy In the Middle”, ligeramente basada en “I Am the Walrus”, podría haberse sentido muy cómoda en Magical Mystery Tour.

Con este disco pasa lo mismo que con Capusotto, funciona porque no hay nada como reírse de uno mismo, de lo que más queremos, que a la hora de la verdad, son los Beatles.







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TEMAZO. Original de Tallulah, del '87. Tanto Grant McLennan como Robert Forster (los dos compositores de la banda) son dos letristas de primer nivel.

5 Canciones 5: versiones de los Beatles

Everybody's Got Something to Hide Except for Me and My Monkey
Fats Domino

En este compilado que funcionaba de muestrario del gran sello Reprise aparecía esta interpretación (apropiación, mejor dicho) de Fats Domino de un tema relativamente olvidado del inmenso Álbum Blanco. La original era frenética y siempre al borde del desbarranco, Fats la toca como si fuese suya, con ese piano tan Nueva Orleans, la lleva a otra dimensión. Una versión con todas las letras.

Aparece originalmente en: The 1969 Warner Reprise Record Show [varios artistas] (1969)

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Help
The Damned

Fieles a la actitud "me cago en todo" los Damned publican en la cara B de uno de los primeros singles estrictamente punk (y el primer single de ellos), una versión del super clásico de la segunda película de los de Liverpool, en un momento en que los Beatles estaban casi prohibidos. Por supuesto que no se quedan en el molde y la tocan a diez mil por hora e inventan -a la pasada y ya que estamos- el trash.

Aparece originalmente en: Cara "B" del single New Rose (1976)

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Happiness Is a Warm Gun
The Breeders

Kim Deal supo encontrarle la vuelta sórdida a la carta suicida de Lennon (también del Álbum Blanco) llevando esta joya a un punto de tensión/cocción practicamente insoportable. En la original, el clima siniestro se mostraba de soslayo, acá se aumenta al máximo. Otra gran versión y ejemplo de apropiación de una canción para llevarla a un terreno nuevo y propio del intérprete.

Aparece originalmente en: Pod (1990)

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I'm Looking Through You
Steve Earle

Perdida en un disco de canciones acústicas, esta perla original del que quizás sea el primer disco ENORME de los Beatles (Rubber Soul, claro está) está despojada de cualquier artificio. Dos guitarras una mandolina, una voz armonizando bien al fondo y la canción sale adelante porque... bueno, es perfecta. Un clásico ejemplo de despojar una canción de sus elementos prescindibles y dejarla desnuda, como fué traída al mundo.

Aparece originalmente en: Train a Comin' (1995)

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Isn't It a Pity
Galaxie 500

Si no te dicen que es de Harrison no te das cuenta, acá hacemos una excepción y agregamos un tema de George como solista, que aparecía originalmente en el exorcismo que significó su primer LP solista; el triple All Things Must Pass. La letra es una reflexión amarga sobre la ruptura del grupo y los Galaxie 500 la hacen fieles a su estilo; lenta, somnolienta, colgada, velvetiana.

Aparece originalmente en: On Fire (1989)

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Disco del Mes: of Montreal - Satanic Panic in the Attic

of Montreal
Satanic Panic in the Attic
2009










Polyvinyl Record Co.

Love and Rockets - ídem [4to. LP - 1989]

Love and Rockets desciende de la diáspora de otra banda importante, de las cenizas de Bauhaus, pioneros del rock gótico de la primer mitad de los ochenta. Por un lado, el cantante, Peter Murphy, arrancó su carrera solista y Daniel Ash y David J, guitarrista y bajista respectivamente, forman Love and Rockets, cuyos primeros cuatro discos de estudio son fundamentales para entender el rock de aquella década mítica.

Love and Rockets, cuarto LP de estudio y el último de la considerada etapa clásica, tiene algunos detractores insólitos que lo consideran un intento de disco “vendedor”, hecho para pegarla en las radios yanquis, algo bastante descabellado si se considera que lo único remotamente apto todo público del disco es “I’m Alive”. Que sí, vendió en cantidades, merecidamente, es T. Rex bien entendido y adaptado a la época, insistente, casi industrial, podrido, con un riff de guitarra para cabecear en la ruta y escuchar a todo volumen. No siempre los hits son una mierda. Por lo demás es un disco aventurero, moderno, sucio, luchador, guitarrero, una continuación y evolución natural de todo lo sugerido -y logrado- en los tres primeros álbumes.

También es el primero en donde los dos compositores empiezan a escribir por separado, cada cual con su estilo y se nota, en el buen sentido. Las canciones son diferentes, hay variedad pero suman a la totalidad, sin desentonar en ningún momento. “Motorcycle” debió haber sido el himno oficial de los Hell Angels, si estos no tuvieran la cabeza remachada con Creedence y ese tema de Steppenwolf, un trip roquero con alguna que otra influencia de los primeros Jesus and Mary Chain. “The Purest Blue” es el Brian Eno de los discos ambient, pero en este caso no vas a necesitar de la almohada ni el despertador porque dura lo que tiene que durar. Después de la pausa necesaria, de la mano de “I Feel Speed”, en donde parecen flotar en un estado de narcosis auto-inducida, viene otro sacudón de rock del pantano; “Bound for Hell” es la reencarnación de un blues acelerado de los 50’s, el pasado bien interpretado para hacer la música del futuro. Love and Rockets suena moderno, actual, podría haber sido grabado ayer, no envejeció, sobre todo comparándolo con otras cosas que sonaban en aquel entonces. No son muchos los que los han tomado como referentes y eso ayuda a que esto suene original y fresco, a casi treinta años de su aparición en las bateas.

Después de Love and Rockets los dos capos de la banda se dedicaron a sus carreras como solistas y dejaron en el freezer a este proyecto, para ponerlo nuevamente en marcha un par de años más tarde. Historia que dejamos, como de costumbre, para la próxima.







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Love and Rockets - Express

Video de la Semana: Harry Nilsson - You're Breaking My Heart

El gran Harry Nilsson haciendo uno de sus clásicos con escenas de la película Did Somebody Drop His Mouse?.

The Walkabouts - Satisfied Mind

Hay diferentes formas de encarar un disco de versiones. Están los que no hacen otra cosa que contar de dónde viene una banda o un solista, mostrando sus raíces musicales. También hay algunos que son completamente irreverentes, como el que hizo Laibach de Let It Be de los Beatles a fines de los ochenta. Tampoco faltan los de tipo antropólogico, que rescatan canciones olvidadas, con una intención entre didáctica y snob. También hay que mencionar los que están hechos para llenar el hueco de un contrato discográfico o pura y exclusivamente para divertirse, para pasar el rato. Lo cierto es que… ¡a todos nos encantan los discos de covers! Incluso cuando no aportan nada es entretenido ir a buscar los originales que no conocemos o comparar los que ya son parte de nuestro ADN musical.

El de los Walkabouts, quinto LP de estudio de la banda, es un poco de todo eso y algo más. Es, ante todo, un disco valiente, hecho en el apogeo del grunge, cuando aflojarle un poco al volumen y a la distorsión era ir a contramano. Encima fué editado por el sello que más fuerte apostaba por esta movida; nada menos que Sub Pop.

Es una representación perfecta de los orígenes e influencias de la banda, mezclando versiones relativamente contemporáneas, de Nick Cave (impresionante “Loom of the Land” de Henry’s Dream), John Cale y Patti Smith, con canciones tradicionales y temas de la Carter Family y Mary Margaret O'Hara. Contando esas historias de costado del camino, con ese toque de sordidez y oscuridad que tan bien define a los de Seattle. También tiene una lista de invitados ilustre, con Peter Buck de R.E.M. colaborando en guitarra y mandolina en casi todo el disco y un enorme Mark Lanegan cantando un temazo de Charlie Rich, “Feel Like Going Home”, convertido en un momento épico de casi diez minutos. Según cuenta Chris Eckman, Lanegan pidió tímidamente que vaciaran el estudio y logró lo que suena en Satisfied Mind en la primera toma. El enciclopedismo musical de los Walkabouts queda en evidencia en otro de los grandes hallazgos; “Poor Side of Town” de Johnny Rivers. Un super hit en su momento, ellos le dan una vuelta de tuerca más que interesante.

Algunos dicen que Satisfied Mind fue piedra Rosetta de lo que en un par de años paso a llamarse "Americana", esa música yanqui de raigambre tradicional, que no es lo mismo que la careteada que sale como chorizos de Nashville, es la música de los desclasados, de los que van quedando al costado del tan mentado “Sueño Americano”. Incluso Robert Plant grabó en el ’07 una versión de “Polly” de Gene Clark que tiene mucho más que ver con la que aparece en este disco que con la original de Dillard & Clark. Nunca falta un oído atento que aprueba lo que está hecho con verdadero amor por la música.







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