Bosnian Rainbows - ídem [1er. LP - 2013]

En la última década Omar Rodríguez-López ha estado haciendo de todo, menos quedándose en el molde, nadie lo va a acusar de vagancia. Ha estado sacando EPs y álbumes con The Mars Volta (sin contar At the Drive-In) incansablemente, una banda que es la definición de genialidad absoluta o indulgencia total, depende el prisma con el que se mire el asunto.

Además de hacer música irreverente e inclasificable, se ha ganado la reputación de ser un verdadero dictador a la hora de entrar al estudio, algo que se ha encargado de aclarar en entrevistas. Últimamente parece que se aflojó un poco. El disco homónimo de su nuevo proyecto, Bosnian Rainbows, es una clara muestra ya que, a menos que alguien te lo diga, no hay evidencia de que es él quien está detrás de esto.

Bosnian Rainbows incluso se maneja en un terreno relativamente virgen para el guitarrista, optando esta vez por suaves texturas de teclados new wave y baterías que corresponden a ese sonido, al post-punk de bandas como Joy Division o los Wire de mitad de carrera. Los resultados sorprenden, no se trata de otro grupo intentando revitalizar ese sonido, hoy en día un tanto gastado, es más bien lo contrario.

Cuando las canciones funcionan, y hay varios casos, levantan vuelo a varios metros del suelo. “Morning Sickness” y “Dig Right In Me” no tienen nada que envidiarle a los clásicos de Blondie, el de la época de Parallel Lines, con unas letras tan retorcidas e indescifrables como cualquiera de sus proyectos paralelos. Teri Gender Bender, la cantante, tiene un parecido (sonoro) asombroso con Siouxsie Sioux, lo que puede resultar una molestia para algunos y una delicia para otros, la piba maneja su voz con criterio y convicción. El tema a atesorar es probablemente “Turtle Neck”, atmósferico al máximo, que va de una clima lento alla Cocteau Twins a un pasaje de guitarras climático, en donde Rodríguez-López finalmente asoma la cabeza.

El foco en general está puesto en la cantante, que también es miembro estable de los punkrockers nicaragüenses Le Butcherettes, su voz encaja a la perfección con los temas, agregando sensualidad al conjunto y, según dicen, es muy buena en el escenario. El hecho de que Rodríguez-López se muestra contenido a lo largo del disco es notable y también es claro que lo único que le importa es lo que piensan los que tocan en su banda. Como debe ser.








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Chequear también:
Siouxsie & the Banshees - Twice Upon a Time: The Singles
Wire - A Bell Is a Cup...Until It Is Struck
Young Knives - ...Are Dead....And Some

5 Tapas 5: Ojos (pt. 2)

Con: Mr. Bungle, Middlian, Gomez, Ford Theatre y tUnE-yArDs

Lee Hazlewood - Won't You Tell Your Dreams

No sé cómo llegué a encontrarme con el gran Lee Hazlewood pero sí me acuerdo que lo conocí en una época en que parecía estar por todos lados, hasta Primal Scream hizo una versión de "Some Velvet Morning" que sonaba mucho, Beck lo mencionaba siempre, lo mismo Nick Cave, etc. Internet ayudó, por supuesto.

Esta balada es un poco difícil de separar del disco que la contiene, un disco de ruptura pero que es cien por ciento Lee Hazlewood en cuanto a indiosincracia. Nadie balancea tan bien el delicadísimo equilibrio entre humor, grasada, arreglos y producción. Y después está la voz. ESA voz.

Los chistes entre tema y tema son tan tontos que caen simpáticos ("el día que nos conocimos, los dioses se deben haber dado vuelta y se deben haber reído a carcajadas"). Acá el acompañamiento es austero pero está dosificado con maestría, la letra es buenísima ("por favor le dirías a tus sueños que dejan en paz mi habitación"), ella se fué pero sigue presente por todos lados. Maestro de los maestros. Lee.





Podés escucharla en YouTube.

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Parece que gracias a la impecable labor del sello Light In the Attic le está llegando el reconocimiento, este disco dura menos de media hora pero vale la pena ponerse en campaña para conseguirlo.
Requiem for an Almost Lady (1971)

Gene Clark - No Other

Para algunos fué el integrante de los Byrds más talentoso, sin desmerecer la hidalguía de McGuinn, por haber mantenido viva a la banda a lo largo de diez mil formaciones. Tenía también un problema grande y un gran enemigo: él mismo. Inseguro, paranoico, con todos los vicios y comportamientos autodestructivos incorporados, Gene Clark tiene una carrera solista digna de atención, con picos muy altos y ultimamente se le está dando el reconocimiento que merece.

Como ejemplo basta decir, que este, No Other, su obra maestra de folk barroco-filosófico, del ’74, estuvo descatalogado y fue muy difícil de conseguir durante casi treinta años.

Al momento de su aparición fue considerado excesivo, sobre todo a nivel producción, se gastó mucha plata haciendo el disco (para desesperación de la compañía discográfica) y tubo una repercusión de ventas y crítica prácticamente nula. Pero en menos de dos años este mismo sonido, este mismo nivel de trabajo en el estudio, era el que acaparaba las FM a lo largo y ancho del país que le dio la espalda, con Fleetwood Mac a la cabeza. La pregunta es… ¿Dónde está la sobreproducción? ¿Cuál es el exceso? Empieza con “Life’s Greatest Fool”, que tranquilamente podría haber estado en cualquiera de los últimos tres o cuatro discos de los Byrds, es country-rock tranquilo, sedado casi, sin grandes sorpresas salvo a nivel lírico, con un Clark disparando máximas y reflexiones cual Confucio del siglo XX, nada nos prepara para lo que se viene.

Ya en “Silver Raven” se nota que hay trabajo, hay capas de grabación, coros, varios instrumentos pero… ¿esto es sobreproducción? En No Other los detalles sonoros, la complejidad -nunca agobiante- en los arreglos y las decisiones generales están bien tomadas, le suman mucho a las canciones, de hecho los arreglos elegantes del tema que da título, en ningún momento sepultan al cantante ni mucho menos, no hacen más que remarcar la atmósfera un poco siniestra de la letra, es una producción bien hecha, muy lograda. Esta es la “música cósmica americana” que imaginó Gram Parsons (y que -si me permiten- nunca llegó a concretar) cuando hizo que los Byrds grabaran Sweetheart of the Rodeo. Esta es una obra maestra, una alianza entre letra y música muy lograda, sobre todo teniendo en cuenta que Gene Clark, según cuentan quienes los conocían, no era un tipo que se la pasaba leyendo ni nada que se le parezca. El disco está lleno de momentos sublimes, “From a Silver Phial”, “Lady of the North” (el tema que cierra el LP) y la cumbre épico-psicodélica que es “Some Misunderstanding”, algo así como un Neil Young de “Cowgirl in the Sand” bien cantado (sin ánimos de ofender) y arreglado para poner la piel de gallina.

A Gene Clark le dolió mucho el fracaso de No Other y nunca logró recuperarse del todo, había puesto mucha energía y trabajo en las canciones y sabía que tenía bajo el brazo un disco brillante. Muy pocos supieron darse cuenta en su momento. Nunca es tarde, por suerte.

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Chequear también:
Dillard & Clark - The Fantastic Expedition of Dillard & Clark
The Beatles - Abbey Road
Band of Horses - Infinite Arms

Video de la Semana: Plants and Animals - The End of That

Temazo que dá título al tercer disco de Plants and Animals, del año pasado. Video paródico e irónico, muy bueno.

Programa Especial nro. 20 en Fuera de la Nada

En el anteúltimo especial del año vamos a dar un repaso muy escueto por el enorme sello Trojan.
Va a estar Marley (si no nos matan), Inner Circle, un bloque de dub, Gregory "The Cool Ruler" Isaacs, John Holt, Mikey Dread y un interesante etcétera.

Viernes 29 de noviembre.

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Disco del Mes: The Allman Brothers Band - Brothers and Sisters

The Allman Brothers Band
Brothers and Sisters
1973










Capricorn Records

Martin Newell - The Greatest Living Englishman

Hay discos que parecen estar hechos para figurar siempre en un panteón imaginario, un podio de “Grandes Discos de Culto”, perdedores hermosos, adorados eternamente por las ratas de disquería y los nerds musicales. Nosotros, digamos.

The Greatest Living Englishman, de Martin Newell, no es su primer disco, pero reúne todas las características para ser su trabajo más recordado, el que habría que salvar del tsunami. El tipo venía de años de pelearla en las ligas chicas desde hacía rato, primero con su banda The Cleaners from Venus, quienes, en estas épocas tan raras como sorprendentes, tienen fans que reclaman a gritos reediciones de discos grabados en condiciones deplorables, que nunca pasaron de un cassette. Siempre tuvo amigos con un perfil más alto que el propio, Captain Sensible de los Damned es y ha sido un colaborador habitual y el amigo Andy Partridge (de XTC) presta sus servicios como productor, arreglador, consejero y hasta baterista, en esta pequeña joya del rock más británico y flemático que se puede imaginar.

Newell siempre se cagó de risa de los tipos de cuarentipico que dicen que quieren volver a sus raíces y arman una banda de blues, sus raíces son los Beatles, el Pink Floyd de Barrett y el gran pop psicodélico de la segunda mitad de los sesenta. Eso es exactamente lo que hace, lo que domina, lo que le sale -parece- de taquito. De eso hay de sobra en The Greatest…

Las letras también merecen atención, Newell es un observador agudísimo, un antropólogo de su propia sociedad y cada canción es una viñeta entre cómica, ácida y nostálgica. “Construiremos una casa y un lugar para que los chicos crezcan, pregúntame cuándo, que me maten si tengo la menor idea” dice en “We’ll Build a House”, burlándose del sueño burgués conformista. “Y te despertás en un cuarto que no es el tuyo, hay un ángel en la cama y te preguntás que fue lo que dijiste, antes de darte cuenta que es navidad en los barrios” canta en “Christmas in Suburbia”, una de las canciones más lindas (si que ese adjetivo todavía significa algo) del disco. ¿Otro super hit que jamás fue? ¡Claro que sí! Son la especialidad de la casa; “She Rings the Changes” no fue un éxito mundial porque ya sabemos lo que el mundo anda escuchando por estos días y lo mismo va para “The Jangling Man”, bien al estilo Byrds, a puro gancho.

Newell ya era grande cuando salió esta obra maestra de pop perfecto, no daba para ídolo teen ni para símbolo sexual post-adolescente, ya era un excéntrico y semi-recluso, de mal carácter al que jamás le gustaron mucho las entrevistas. Por suerte la música está ahí, para quien quiera oirla.

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Chequear también:
The Kinks - The Kinks Are the Village Green Preservation Society
XTC - The Great Escape
Martin Newell - The Spirit Cage

Video de la Semana: The Kinks - Dead End Street

Todavía hay gente que insiste con eso de que Queen fué la primer banda en hacer videos, como si "Happy Jack" de The Who, los que filmaban los Beatles en Help! o este, no fueran videos totalmente válidos.

Pero acá hay un guíon muy claro y definido, como mostraba suburbios y gente pobre la BBC decidió prohibirlo y sacarlo de circulación. Los muchachos de Oasis, quizás ignorando la existencia de YouTube, lo robaron asquerosamente para "The Importance of Being Idle".

5 Canciones 5: Nina Simone

Everyone's Gone to the Moon

Hay temas que te pegan por diferentes causas, en este caso es la suma del título (sería 'todo el mundo se ha ido a la luna'), la melancolía desesperada de la melodía y la interpretación al piano de Nina Simone. Si estás solo, triste y tenés esa sensación de que te abandonó hasta quien menos esperabas, la música siempre va a estar ahi para ofrecerte un hombro. Siempre. No falla.

Aparece originalmente en: Nina Simone and Piano (1970)

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Gin House Blues

En uno de sus primeros larga duración demuestra que sus cualidades y su personalidad como intérprete ya estaban completamente conformados. Se manda con esta suerte de estándar blusero (Clapton, Bessie Smith, Animals, entre otros), oda etílica / lamento / celebración y registra una de las versiones definitivas. Más tarde reaparecería en 'Nuff Said!, disco grabado en vivo, a tres días de la muerte de Martin Luther King.

Aparece originalmente en: Forbidden Fruit (1961)

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Feeling Good

Este tema aparece en una película francesa muy buena que se llama The ntouchables, en una escena (si mal no recuerdo) en que se tiran en paracaídas. También, empieza a capella, pero la banda -una big band considerable- entra para marcar un leit motiv a lo Black Sabbath (¿o sería un riff entonces?). Como sea... lo que hace Nina Simone con su voz acá, lo que transmite y logra... es música para mandar al espacio exterior.

Aparece originalmente en: I Put a Spell On You (1965)

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Be My Husband

Con este milagro de su propia pluma abre Pastel Blues, del '65, a capella, con mucho sentimiento. La música se hace esperar y... nunca llega. El único acompañamiento que tiene es un golpe de hi-hat y unas palmas al final.

TE-MA-ZO.

Aparece originalmente en: Pastel Blues (1965)

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Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is a Season)

Una de sus grandes versiones de hits del momento, tomando la que habían hecho los Byrds del tema de Pete Seeger. Incluída en To Love Somebody, un disco lleno de covers de temas pop. Cuando Simone hacía una versión siempre trataba de llevarla a un terreno inesperado, de apropiarse completamente de la canción. "Turn! Turn! Turn!" no es la excepción, hasta cambia el arreglo del estribillo y frasea distinto.

Aparece originalmente en: To Love Somebody (1969)

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Brinsley Schwarz - Nervous On the Road

Brinsley Schwarz, nombre difícil de pronunciar. ¿Será por eso que todavía no les llegó el revival? Aunque a esta altura no sería descabellado pensar que no les va a llegar nunca. Lamentablemente, porque son una de las bandas más nobles, desprejuiciadas y divertidas de todos los tiempos.

Hubo un episodio de hype que casi los arruina, con un viaje a Nueva York como si fueran super estrellas, con alfombra roja y champagne, con todos los periodistas que tenían que estar. El fracaso fué estrepitoso. Salió todo mal. Algo que podría haber destruido el espíritu de cualquier banda, terminó jugando a favor de estos pub-rockers ingleses. Hicieron una que ya se había comprobado que funcionaba; irse al campo a vivir en comunidad y a componer.

De la experiencia salió un discazo que fue Silver Pistol, una banda más afianzada, fanatizada con The Band y sus dos primeros LPs y un compositor completamente formado en Nick Lowe, que todavía era un pibito de veintitantos para ese entonces, pero ya cantaba con aplomo y sabía lo que quería como músico. La lección fue contundente; primero las canciones, después, muy lejos, todo el resto. Lección que no le vendría mal a más de uno, dicho sea de paso.

1972. Si uno recuerda la fecha de aparición de Nervous On the Road, cuarto LP de estudio y anteúltimo antes de la separación definitiva, es imposible no coronarlos como Inventores del Género, el pub rock, sobre todo teniendo en cuenta que Dr. Feelgood prácticamente no existía para este entonces. Pero mientras los Feelgoods son el verdadero link entre el punk y todo lo que vino antes (es muy difícil no coincidir con ese argumento) lo de Brinsley Schwarz es mucho más musical, menos agresivo y la banda toca bien, en serio. Es sólo cuestión de escuchar el tema que da título, “Surrender to the Rhythm” o la excelente versión de “Home In My Hand”, para escucharlos flotar en un alfombra mágica de groove y onda. Los que los vieron en vivo siempre dicen que eran impresionantes y que hacían bailar hasta a la policía.

Cuando se separaron, después del infravalorado The New Favourites of Brinsley Schwarz, Nick Lowe e Ian Gomn se hacen solistas y Schwarz y el resto se unen a la banda de Graham Parker, otro de los “jóvenes enojados” en la misma vena de Costello o los primeros de Joe Jackson. Historia que dejamos para la próxima o para Wikipedia. Como prefieras.







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Brinsley Schwarz - Despite It All
Dave Edmunds - Rockpile
Rockpile - Seconds of Pleasure

The Replacements - Alex Chilton

Nunca me pude relacionar con los discos del sello Twin-Tone, los primeros, antes de firmar para Sire. Para los fans de la primera hora ahi está la papa, supongo que te afectaban fuerte si tenías veinte y los escuchabas apenas salían. No fue mi caso.

Conocí esta canción gracias a un amigo yanqui que, por suerte, aún conservo, al mismo tiempo que estaba descubriendo a Big Star (ese inmenso tercer disco, sobre todo) así que junto con este tema también me enteraba quién era el tal Alex Chilton.

Pero podés no tener la menor idea de nada y pasarla bomba igual porque el tema es impresionante, tres minutos de punk-pop perfecto, la forma en que lo canta Westerberg, aparentemente sin ironía, a puro corazón, el sonido grande, bien grabado. Tiene un solo de guitarra de esos que te dan ganas de mostrarlo y decir "es así ves, es así como se hace un solo". Y tiene el puente, de esos en que el otro Paul demostraba que es un compositor inteligente, metiendo truquitos y acordes infrecuentes, ahi dice "nunca viajo demasiado lejos sin un poco de Big Star.






Podés escucharle en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El primer disco en un sello "grande" porque Let It Be, el anterior y primer gran clásico, había salido por Twin Tone.
Pleased to Meet Me (1987)

5 Tapas 5: Cuadradísimo

Con: The Maharajas, The Boys, Paul K. & the Weathermen, H.J. Roedelius y compilación psicodélica de la revista MOJO

Video de la Semana: Sharon Van Etten y J Mascis - Prisoners

Sharon Van Etten y J Mascis de Dinosaur Jr unen fuerzas para este tema de John Denver. Está en un disco tributo que acaba de salir que se llama The Music Is You: A Tribute to John Denver.

Mikal Cronin - MCII

Cuando todavía no pasaron cuarenta segundos de “Weight”, ya es claro que estamos frente a algo especial. El primer tema de MCII, antes de llegar al estribillo, ya desparramó al menos dos ganchos inteligentes directo al mentón, estás atrapado, se te pegó para siempre. ¡Encima después viene el estribillo y es tremendo! Después, el break instrumental, es un solo de guitarra española, muy lindo, bien tocado, voces en armonía, distorsión en el nivel justo… es perfecto.

Aparece alguien del que ciertos medios hablan y elogian y resulta que ese alguien merece la catarata de elogios que se le prodigan y uno no puede menos que ponerse contento, te dan ganas de seguir creyendo, de que el mundo puede ser un poco más cálido gracias a la música, al rock ‘n’ roll. Mikal Cronin es amigo de Ty Segall, el niño mimado del momento de la escena de rock alternativo yanqui, de hecho se han ido de gira juntos y Cronin toca en varios de los millones de discos que saca Segall, que es tan prolífico que en el 2012 sacó tres LPs.

MCII, como su nombre bien lo indica, es el segundo disco de estudio, el continuador en todo sentido del homónimo del 2011, en donde este pibe ya había puesto las cartas sobre la mesa y demostrado que lo suyo iba en serio. Este disco suena un poco más profesional, tiene grandes canciones y ha depurado su estilo hasta alcanzar una síntesis que, sin ser del todo novedosa, suena fresca y actual. Sobre todo porque no son muchos hoy en día los que pisan fuerte en este terreno, el de las canciones power-pop perfectas.

“Peace of Mind” podría haber sido cualquiera de los grandes temas de Soundtrack of Our Lives, con esos aires épicos, celestiales, con un puente que demuestra que Cronin la tiene clara (estudió música en la universidad) pero nunca intenta lucirse y todas las ideas que tiene van en pos de hacer una canción redonda. Firme candidato a tema del año. Son apenas diez en MCII, igual que en el disco anterior, se ve que Cronin también sabe que nuestro attention span actual es más o menos equivalente al de un gusano de jardín y en poco más de media hora dijo todo lo que tenía que decir. Puso en descubierto sus dudas existenciales (por lo visto tiene unas cuantas), sus miedos y certezas, que son pocas pero es casi imposible no compartirlas, no coincidir.

Apostamos que este disco va a aparecer en unas cuantas de esas listas de “Discos del Año”, su calidad es evidente, indiscutible. En este caso será merecido.







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Emitt Rhodes - Mirror
The Fountains of Wayne - Utopia Parkway
Ty Segall Band - Slaughterhouse